Ein Mädchen spaziert an der Hand ihrer Mutter die belebte Straße entlang, während es in der anderen Hand eine zerlumpte Puppe hält, die es achtlos über den Gehweg schleift. Als dein Blick auf die Puppe fällt, schleicht sich ein eigenartiges Gefühl bei dir ein. Für einen kurzen Moment scheint die Puppe ihren Kopf zu drehen und starrt direkt in deine Richtung.
Warum kommen uns Puppen oft so unheimlich vor? Liegt es an ihren leeren, emotionslosen Augen? An der verletzlichen Nähe zu einem arglosen Kind, das sie stets begleitet?
Jane und Missy
Puppen gibt es seit vielen Jahrhunderten. Ursprünglich fertigten Stammesfrauen sie aus Gräsern in Menschenform, um ihre kleinen Mädchen zu beschäftigen. Mit der Zeit entwickelten sich diese Spielgefährten weiter, wurden immer detailgetreuer und manchmal erschreckend lebensecht. Auch Jungen haben eine Vorliebe für Puppen, die sie natürlich Actionfiguren nennen. Doch hin und wieder scheinen diese Spielzeuge eine düstere Rolle im Leben eines Kindes zu spielen.
Im späten 19. Jahrhundert erhielt ein junges Mädchen namens Jane Bielawski eine Puppe als Geschenk. Für Jane, ein armes Kind, das in einem Mietshaus in New York lebte, wurde die Puppe schnell zu seinem ständigen Begleiter, den sie „Missy“ nannte. Doch was als unschuldige Freundschaft begann, nahm bald eine finstere Wendung. Mehrere von Janes Spielkameraden fielen grausamen Morden zum Opfer.
Der Begriff “Goblin” kann für viele Arten von magischen Kreaturen auf der ganzen Welt gelten. Das einzige verbindende Merkmal ist dabei ein bösartiges oder zumindest schelmisches Bewusstsein, das in einer grotesken oder abschreckenden Form mit einem allgemeinen Bezug zur Nacht oder zu lediglich dunklen Orten verkörpert ist. Goblins gibt es schon seit sehr langer Zeit, so dass man im lateinischen Mittelalter diese Kreaturen mit dem Begriff “Gobelinus” benannte.
Das Wort “Goblin” kommt eigentlich aus dem Griechischen “kobalos”, was Schurke bedeutet. Viele Unterrassen von Goblins durchstreifen die Welt von Nordeuropa bis in den Mittelmeerraum und sogar bis nach Japan, um sicherzustellen, dass die Menschen von ihrer Anwesenheit wissen. Übernatürliche Fähigkeiten können jedoch von Nation zu Nation oder von Kontinent zu Kontinent variieren. Die Welt der Fantasy hat diesen Kreaturen zu ihren eigenen Existenzformen verholfen, auch wenn die Goblins nicht in ihr entstanden sind. Hier sind einige der raffinierten, manchmal bösartigen, legendären Kreaturen aus dem Sagenschatz der “realen” Welt.
Ich beginne mit dem Wetter, um einem fürchterlichen Klischee zu entsprechen. Mit 33 Grad um 12:58 ist es in Kempten nicht einmal besonders heiß. Für mich bedeutet aber alles über 25 Grad den schieren Hitzetod. Also ist es doch besonders heiß.
In all den Jahren ist auffällig – und es muss sich um eine Täuschung handeln – dass kaum eine Wettervorhersage hier ankommt, oder das Wetter beschließt, sie nicht besonders ernst zu nehmen. Die Wurmfortsätze der Republik sind allerdings auch hier zu finden. Heißgetränke bei Hitze wandeln sich von braunem Insektengift in Milchkaffee, nein, es ist schon eher ein Latte – des Milchschaums wegen.
Dass man sich dem Menschen fremd fühlt und sich auch das Menschliche in einem selbst nicht als Freund erweist. Friend or Foe. Das dunkle Zeitalter, könnte man sagen, wenn es überhaupt Zeitalter gäbe.
Lass die Kobolde und das grüne Bier am St. Patrick’s Day beiseite. Wenn an diesem Tag jeder Ire wird, warum nicht das berühmteste aller irischen Monster feiern: den Vampir? Diese wahrhaftige Kreatur des Ould Sod (des alten Landes verdient) an diesem besonderen Tag doch ebenso unsere Aufmerksamkeit.
Viele unheimliche Kreaturen haben ihren Ursprung in den düsteren Tälern und melancholischen Bergen Irlands. In diesen Regionen vermischten sich alte keltische Legenden und Bräuche zunächst mit römischen Mythen und später mit dem Christentum, wodurch eine reiche Mischung dunkler Überlieferungen entstand. Ein Teil dieser kulturellen Verschmelzung zeigt sich in unserem heutigen Halloween-Fest. Zahlreiche Traditionen, die im 19. Jahrhundert durch irische Einwanderer in den USA populär wurden, haben ihren Ursprung im keltischen Fest Samhain. Man sagte, dass während dieses Festes, welches das Ende des Sommers und den Beginn des Winters markiert, die Grenze zwischen der sterblichen und der geistigen Welt verschwimmt. Um sich vor bösen Geistern zu schützen, verkleideten sich die Menschen als Geister und Kobolde. Um Respekt zu zeigen, boten sie den zurückkehrenden Toten Speisen an. Die christlichen Feiertage Allerheiligen und Allerseelen am 1. und 2. November wurden zu einem Ersatz für die heidnischen Festtage, wobei die Feierlichkeiten bereits am Abend des 31. Oktober – an Allerheiligenabend – begannen.
Während das DC-Universum seit jeher eine Vielzahl dunkler und dämonischer Wesenheiten beherbergt, sehen die Helden, die mit dem Kampf gegen diese Monstrositäten betraut sind, eher unscheinbar aus. Das könnte nicht weiter von der Wahrheit entfernt sein, wenn es um DCs ersten magischen Antihelden geht, denn John Constantine wäre die unscheinbarste Figur, wenn sein eigenes Aussehen nicht so ikonisch geworden wäre. Aber auch der Hellblazer selbst hat im Laufe der Jahre eine Menge Konkurrenz bekommen, darunter einige Magierkollegen, die eigens dafür geschaffen wurden, ihn zu ersetzen.
Obwohl John Constantine seit seinem Debüt in Swamp Thing #37 von 1985 (von Alan Moore und Rick Veitch) eine Ikone der DC Comics ist, war er nicht immer ein Teil des DC-Universums. Bei seinen ersten Auftritten war Constantine derjenige, der Swamp Thing mit ominösen Hinweisen auf verschiedene Bedrohungen versorgte, die überall auf der Welt auftauchten. Schließlich stellte sich heraus, dass all dies Teil von Constantines Versuch war, seine Mithelden auf die Ereignisse der damals drohenden Crisis on Infinite Earths vorzubereiten. Nach dem Crossover, das das Multiversum veränderte, verließ Constantine die Seiten von DC Comics und wechselte zum kantigeren Vertigo-Imprint des Verlags. Diese Entwicklung hatte unter anderem zur Folge, dass der Hellblazer den DC-Comics-Autoren der damaligen Zeit einfach nicht zur Verfügung stand, wenn sie einen Trenchcoat-tragenden englischen Magier für ihre Geschichten brauchten, so dass sie gezwungen waren, eine eigene Figur zu erfinden, um diese Lücke zu füllen.
Ähnlich wie bei Alan Moore ist auch bei Grant Morrison die Verbindung zwischen Biografie und Werk eng miteinander verflochten. Geboren 1960 in Glasgow und aufgewachsen in der Donnelly Street in Bishopbriggs, einer schottischen Vorstadt geprägt von Arbeiterkultur, wurde Morrisons Fantasie von Beginn an durch ein doppeltes Bewusstsein geformt. Einerseits durch die alltägliche Realität der Industriestadt, andererseits durch die schillernden, kosmischen Welten amerikanischer Superhelden-Comics, die er geradezu verschlang. Dieser innere Gegensatz bildet konsequenterweise das Fundament seiner kreativen Weltsicht.
Die britische Comicszene der frühen 1980er-Jahre, in der Morrison seine Fähigkeiten entwickelte, war von einer unvergleichlich pulsierenden Energie erfüllt. Mit dem Magazin 2000 AD als Inspirationsquelle und Alan Moore als dominierender kreativer Figur sah sich eine ganze Generation britischer Talente vor die Herausforderung gestellt, den Weg zu finden, den man nach dem Dekonstruktivismus einschlagen konnte. Während Moore die Superhelden-Mythologie radikal zerlegte, wie er es etwa in Watchmen oder The Killing Joke zeigte, nahm Morrison eine vollkommen entgegengesetzte Haltung ein. Er setzte auf eine Art feierliche Neubewertung des Altbekannten.
Grant Morrison von Luigi Novi
Dieser gegenteilige Ansatz war von zentraler Bedeutung, denn schon früh erkannte Morrison einen vermeintlichen Irrtum in der Dekonstruktion des Superhelden. Die Vorstellung, dass Komplexität zwangsläufig mit Entmythologisierung gleichzusetzen sei, teilte er nicht. Er wollte zeigen, dass Mythologien in ihrer ursprünglichen, archetypischen Kraft eine tiefere Wahrheit in sich tragen, die jeder Entzauberung widersteht und gerade durch ihre Unmittelbarkeit eine universelle Relevanz entfaltet.
Anarchie als Methode
Ein zentraler Meilenstein in Grant Morrisons Schaffen ist Animal Man (DC Comics, 1988), seine erste bedeutende Arbeit für den amerikanischen Mainstream und ein Schlüsselwerk der Comicgeschichte. Auf den ersten Blick präsentiert sich die Serie als eine Erzählung über Buddy Baker, einen eher zweitklassigen Superhelden mit der Fähigkeit, die physischen Eigenschaften von Tieren zu übernehmen. Doch Morrison macht daraus ein experimentelles Metanarrativ, das sich Schritt für Schritt auftürmt. Was zunächst als solider Superheldencomic beginnt, entwickelt sich über ein leidenschaftliches Plädoyer für Tierrechte hin zu einer philosophischen Auseinandersetzung mit dem Leiden aller empfindsamer Wesen. Schließlich gipfelt die Geschichte in einem die vierte Wand durchbrechenden Moment, bei dem Buddy dem Autor direkt gegenübertritt.
Die Welt hat keine Ersparnisse. Die Vernichtung des Alten ist das, was sie um mich herum Fortschritt nennen, und ja, sie schreiten fort von all dem, das uns Balsam war. Der Krieg ist in Wirklichkeit das Toben ohne Schützengewehr, reglementierte Vernichtung um ihrer selbst willen.
Die Welt hat keine Ersparnisse, die wurden ihr als erstes geklaut. Wir sind jetzt Menschen ohne Schild, in Todeszuckungen gefangen, die endlos scheinen, das Vieh, das ein müdes zähes Fleisch auf den Tellern der großen Verbrecher liegen lässt: Brust, Keule, Verstand.
Erik Larsens lebenslanges Projekt ist ein Meisterwerk des amerikanischen Indie-Comics.
Ein Feld, ein Feuer, ein Mann ohne Gedächtnis
Malcolm Dragon, zunächst ohne Namen, erwacht inmitten eines brennenden Feldes in der Nähe von Chicago. Er hat keinerlei Erinnerungen. Mit grüner Haut, einer Rückenflosse, übermenschlichen Kräften und einer Heilungsfähigkeit, die ihn nahezu unbezwingbar macht, ist er sich seines Ursprungs oder Wesens nicht bewusst. Ein Polizist entdeckt ihn schließlich. Angesichts der Tatsache, dass ein grüner Riese mit Rückenflosse wohl am besten beim Chicago Police Department aufgehoben ist, wird er in den Polizeidienst aufgenommen.
Das ist die Entstehungsgeschichte von Savage Dragon, und ihre Einfachheit ist dann auch ihre Stärke. Keine radioaktive Spinne, kein ermordeter Vater, keine kosmische Bestimmung. Ein Mann ohne Vergangenheit, der sich selbst eine Zukunft schafft. Erik Larsen entwarf die Figur erstmals im Teenageralter, erste Skizzen stammen aus den frühen 1980er Jahren, und sein erster inoffizieller Auftritt fand 1986 im selbstverlegten Fanzine Megaton statt. Als Image Comics 1992 gegründet wurde, war Larsen einer der sieben Gründer, und natürlich nahm er Dragon mit ins Boot.
Die Skizzen des Teenagers
Als etwa vierzehnjähriger Schüler entwarf Larsen die ersten Skizzen des Dragon – eine grüne Muskelgestalt mit Flosse, inspiriert von den Jack-Kirby-Figuren, die er bewunderte, aber mit einer einzigartigen und unverwechselbaren Silhouette. Dreißig Jahre später entwickelte sich diese Teenagerskizze zur Grundlage einer der am längsten fortlaufenden unabhängigen Comicserien der Geschichte. Die Geschichte von Larsens Ausdauer und Hingabe ist ein wichtiges Beispiel für jeden aufstrebenden Comiczeichner, da er sein Konzept über Jahrzehnte hinweg konsequent verfolgte, ohne jemals aufzugeben.
Der treueste Autor des Indie-Comics
Erik Larsen Schöpfer · Autor · Zeichner
Larsen gehörte zu den sieben Gründern von Image Comics und spielte eine wichtige Rolle in der Revolution von 1992. Im Vergleich zu McFarlanes Spawn oder Jim Lees WildC.A.T.s war sein Beitrag bei der Gründung vielleicht weniger auffällig, aber er hatte eine nachhaltige Wirkung. Larsen zeichnete und schrieb Savage Dragon von Ausgabe Nr. 1 bis heute, fast ohne Unterbrechung, über einen Zeitraum von mehr als dreißig Jahren. Diese Kontinuität ist im amerikanischen Mainstream-Comicbereich ohne Beispiel.
Image Comics 1992 Kontext
Unter den sieben Gründern von Image ist Larsen derjenige, der das Prinzip des Creator-Ownership am konsequentesten verfolgt hat. Während andere Gründer ihre Titel verkauften, lizenzierten oder einstellten, blieb Larsen dem Zeichnen treu. Savage Dragon ist der lebendige Beweis dafür, wofür Image ursprünglich einmal stand.
Larsens Beitrag zur Comicgeschichte wird oft unterschätzt, da er weniger spektakulär wirkt im Vergleich zu seinen Image-Mitgründern. McFarlane brachte Spawn hervor, Lee die UncannyX-Men, und Rob Liefeld sorgte für andauernde Kontroversen. Larsen hingegen hatte Dragon, und dieser hatte weder Kinofilme noch eine Zeichentrickserie, die eine ganze Generation beeinflusste, oder einen starken kulturellen Einfluss auf den Mainstream. Was Dragon jedoch hatte und immer noch hat, ist Beständigkeit. Dreißig Jahre, ein Charakter, ein Autor, ein Zeichner. Das ist eine Leistung, für die das Medium bisher noch keine angemessene Anerkennung gefunden hat.
Die Serie, deren Protagonisten wirklich altern
Savage Dragon hebt sich von jeder anderen amerikanischen Superheldenserie durch ein einzigartiges, grundlegendes Prinzip ab: Die Figuren altern realitätsnah mit der Zeit (und durchaus anders als bei Invincible). Dragon war in den späten 1980ern noch jung, inzwischen ist er Mitte vierzig. Seine Kinder sind erwachsen geworden. Charaktere sterben und bleiben tot. Beziehungen enden und neue beginnen, die Welt bleibt ist im Wandel.
Invincible & Savage Dragon via cbr.com
Während dies in nahezu jedem anderen Medium selbstverständlich erscheint, stellt es in der Welt der Comics eine Revolution dar. Batman ist seit seiner Einführung im Jahr 1939 beständige 35 Jahre jung (wir sehen von den Experimenten ab), während Spider-Man seit seinem Debüt in 1962 die ewige Form eines Teenagers bewahrt hat (natürlich sehen wir auch hier von den Sonderfällen ab). Die zeitlose Gegenwart im Superhelden-Comic ist schließlich kein Zufall, sondern ein bewusstes Geschäftsmodell: Charaktere riskieren beim natürlichen Altern, irgendwann abgelöst oder gar getötet zu werden, was ein kommerzielles Risiko darstellt. Larsen ging dieses Wagnis ein.
Savage Dragon ist eines der wenigen Superheldencomic, das wirklich eine Biografie abspult, das Entwicklungsetappen eines Lebens zeigt, das auch irgendwann enden wird.
Diese Entscheidung hat weitreichende Konsequenzen. Dragon verlor seine erste große Liebe und sie starb endgültig und unwiderruflich. Er war zweimal verheiratet und wurde Vater. Einer seiner Söhne ist heute der Protagonist der Serie: Malcolm Dragon hat weitgehend die Hauptrolle vom Vater übernommen, da nun seine Generation erzählt werden muss. Das erinnert möglicherweise etwas an Lee Falks Phantom: Wir haben hier ebenfalls eine Serie, in der der ursprüngliche Held die Hauptrolle an sein Kind weitergibt.
Die dritte große Comicstadt
Die Comicserie Savage Dragon ist in Chicago angesiedelt. Eric Larsen, der aus der San Francisco Bay Area stammt und in Chicago gelebt hat, hat seine Figur bewusst in einer realen amerikanischen Stadt mit einer authentischen politischen Geschichte und geografischen Strukturen verankert. Anders als Gotham, eine fiktive Stadt der urbanen Korruption, ist Chicago (wie New York) eine Stadt, die ihre Probleme offen erkennt und trägt.
Die Wahl, ein Polizeirevier als institutionellen Rahmen zu nutzen, ist sowohl klug als auch ungewöhnlich. Dragon ist kein Vigilant, sondern ein Polizeibeamter. Er hat Vorgesetzte, Kollegen und muss sich an Dienstpläne und Bürokratie halten. Seine Taten haben institutionelle Folgen, und wenn er zu viel Gewalt anwendet, muss er sich rechtfertigen. Diese realistische Einbettung eines Superhelden in gesellschaftliche Strukturen wird im Genre selten gesehen.
Über die dreißigjährige Laufzeit hat sich Larsens Version von Chicago zu einem umfassenden fiktiven Universum entwickelt. Es ist bevölkert mit eigenen Institutionen, einer eigenen Geschichte sowie einer Mischung aus Superhelden, Schurken und normalen Menschen. Diese lange Laufzeit zeigt ihre stille Kraft nicht durch große Ereignisse, sondern durch die Ansammlung von Details, die das Universum lebendig machen.
Was dreißig Jahre bedeuten
Diese Zahlen sind zwar bemerkenswert, aber sie erzählen die Geschichte nicht vollständig. Was sie wirklich bedeuten: Mit Savage Dragon hat Larsen das einzige fortlaufende Einzelautorenprojekt im Bereich des amerikanischen Superhelden-Comics geschaffen, eine Serie, die über mehr als drei Jahrzehnte hinweg von derselben Person geschrieben und gezeichnet wurde. Und das ohne jegliche editorische Eingriffe, ohne Neustart und ohne Reboot. Diese Leistung ist ein einzigartiges Zeugnis kreativer Freiheit.
Der Einfluss
Erik Larsen zählt zu den herausragendsten Bewunderern von Jack Kirby in der modernen Comicwelt, was keinesfalls abwertend gemeint ist. Kirby entwickelte eine visuelle Sprache für kosmische Energie, körperliche Kraft und die Dynamik eines Schlags oder eines fallenden Körpers. Larsen hat diese Elemente in seinen frühen Werken direkt übernommen und später zu seinem eigenen Stil weiterentwickelt.
Larsens Zeichenstil besticht durch eine Direktheit, die Kritiker manchmal als „roh“ bezeichnen. Diese Direktheit ist jedoch eine bewusste Entscheidung. Dragon ist ein heldenhafter Charakter, der sich voll einsetzt: Er kämpft mit vollem Körpereinsatz, er blutet, er wird verwundet und heilt nur langsam. Larsens Linienführung besitzt eine Energie, die Zeichner mit subtileren Ansätzen manchmal vermissen lassen. Er priorisiert Bewegung gegenüber Eleganz und Kraft gegenüber dem perfekten Finish.
Dabei geht Larsens Beitrag über Kirbys Archetypen hinaus, weil er sich auf emotionale Erzählungen einlässt. Während Kirbys Figuren monumentale Kräfte darstellen, sind sie im Gegensatz nicht besonders fragil. Larsens Dragon hingegen zeigt Emotionen: Er weint, er zweifelt, er trifft falsche Entscheidungen und muss mit den Konsequenzen leben. Diese Kombination macht Savage Dragon so stark: Die Energie von Kirby wird hier auf menschlicher Ebene umgesetzt.
Der Sohn als Protagonisten
Malcolm Dragon, der Sohn des ursprünglichen Dragon, hat die gleichen Kräfte geerbt, jedoch mit einer völlig anderen Geschichte. Diese Entscheidung markiert den bedeutendsten erzählerischen Schritt, den Larsen in drei Jahrzehnten unternommen hat. Er ließ Malcolm erwachsen werden und zur zentralen Figur aufsteigen, während sein Vater in den Hintergrund trat.
Batman bleibt immer Batman, Spider-Man bleibt Spider-Man. Charaktere sind Marken und sollen konstant bleiben. Doch Larsen wagte einen Schritt, den kein kommerzielles Kalkül zugelassen hätte: Er ließ die Zeit wirklich vergehen. Eine neue Generation rückte in den Vordergrund, und die Serie entwickelte sich weiter, so wie ein Mensch wächst.
Malcolm Dragon verkörpert auch eine kulturelle Dimension, die von Larsen bewusst integriert wurde. Seine Mutter war eine schwarze Frau, sein Vater ein grüner Alien. In einer Welt aufwachsend, die ihn anders als seinen Vater wahrnimmt, stellt er sich unterschiedlichen Fragen zu Identität und Zugehörigkeit. Larsen hat diese Thematik in neueren Ausgaben mit zunehmend größerer Achtsamkeit behandelt, um anzuerkennen, dass die nächste Generation ganz andere Fragen aufwirft.
Zeichentrick
Die Savage-Dragon-Zeichentrickserie, die zwischen 1995 und 1996 lief, ist in der Geschichte der Superhelden-Animationen eine Art unentdecktes Juwel. Sie wurde leider viel zu wenig gesehen und viel zu früh eingestellt. Während dieser Zeit dominierten Serien wie Batman und X-Men die Bildschirme. Was Savage Dragon dennoch auszeichnet, ist der einzigartige Ton. Die Serie versuchte, die erwachsene Energie von Erik Larsens Comics ins Animationsformat zu übertragen. Diese Direktheit und gelegentliche Brutalität waren für eine amerikanische Zeichentrickserie der 1990er Jahre durchaus bemerkenswert.
Der fehlende kulturelle Einfluss im Vergleich zu anderen Animationsserien sagt weniger über die Qualität von Savage Dragon aus, sondern spiegelt die damalige Marktsituation. Trotz Image Comics war Savage Dragon nie die erste Wahl. Der Titel war stabil in der Rangfolge der dritten oder vierten Position, und war damit ausreichend für eine loyale Anhängerschaft, aber nicht genug, um den großen Mainstream-Durchbruch zu schaffen. Die Zeichentrickserie spiegelt genau das wieder: Sie war gut gemacht, ehrlich präsentiert, aber ohne die kulturelle Durchschlagskraft, die nötig gewesen wäre, um sich einen größeren Namen zu verschaffen.
Konsequenz als Erzählprinzip
In einer Erzählwelt, in der Superman sterben und lediglich drei Monate später wiederkehren kann, und wo Jean Grey so oft gestorben und auferstanden ist, dass der Tod seine Bedeutung verloren hat; eine Welt, in der der Satz „Niemand bleibt tot außer Bucky, Jason Todd und Onkel Ben“ jahrelang das Bonmot des Genres war, stellt Savage Dragon eine Ausnahme dar, die durch eine nahezu radikale Einfachheit besticht: Bei Larsen bleiben Verstorbene tot.
Debbie Harris starb und blieb tot. Das ist bemerkenswert genug, um hervorgehoben zu werden, denn es bedeutet, dass Trauer in Savage Dragon tatsächliche Trauer ist. Dragon vermisst sie. Er heiratet erneut, doch Debbie kehrt nicht unerwartet zurück, um eines dramatischen Vorteils willen. Sie ist fort und die Lücke bleibt.
Diese Entscheidung hat ihren Preis. Sie nimmt die Gelegenheit, alte Charaktere für nostalgische Zwecke wieder ins Spiel zu bringen. Sie nimmt die Gewissheit, dass niemand dauerhaft verloren ist. Doch im Gegenzug bringt sie etwas, das kaum ein anderes Superhelden-Comic bietet: das Gewicht jeder Entscheidung, die Schwere jedes Verlustes und die Realität einer Welt, in der Konsequenzen tatsächlich Konsequenzen sind.
Was Image versprach und Larsen einlöste
Image Comics wurde 1992 mit dem Ziel gegründet, dass Schöpfer die Rechte an ihren Charakteren behalten. Das war damals bahnbrechend. Allerdings sind Versprechen und Realität oft unterschiedlich, und in den drei Jahrzehnten seit seiner Gründung hat Image dieses Versprechen unterschiedlich gut erfüllt.
Larsen hat es eingelöst. Vollständig, ohne Kompromiss, über drei Jahrzehnte. Er hat Savage Dragon nie verkauft, nie lizenziert, nie einem anderen Verlag überlassen. Er hat die Rechte behalten und die Konsequenzen getragen. Es gab keine Kinofilme, weil kein Hollywoodstudio die kreativen Bedingungen akzeptierte, die Larsen stellte. Keine Crossover mit Marvel oder DC, weil das die Unabhängigkeit gefährdet hätte. Keine Neustarst, weil der Neustart das Erbe auslöschen würde.
Dafür hat er etwas Einzigartiges erhalten: ein Werk, das ganz ihm gehört. Jede Ausgabe, jede Entscheidung, jeder Charakter, der lebt oder stirbt, und jede Beziehung, die entsteht oder zerbricht – all dies liegt seit nunmehr drei Jahrzehnten in Larsens Händen. Im amerikanischen Mainstream-Comic ist dies ein seltenes Zeugnis künstlerischer Freiheit.
Das unbemerkte Meisterwerk
Savage Dragon ist das übersehene Meisterwerk des amerikanischen Superhelden-Comics. Eine interessante Aussage, die zu verteidigen ist. Es bleibt unbemerkt, da Beständigkeit und Bescheidenheit im Medienmarkt oft wenig Aufmerksamkeit erhalten.
Während McFarlanes Spawn mit einem spektakulären Start und großer kulturellen Resonanz aufwartete, zeichnete sich Larsens Dragon durch stille Hartnäckigkeit aus. Beide Werke bestätigen das Prinzip des Creator-Ownership von Image Comics, jedoch auf ganz unterschiedliche Arten. Spawn zeigt, dass eine Figur, die einem einzigen Künstler gehört, zu einer kulturellen Ikone werden kann. Dragon hingegen demonstriert, dass eine solche Figur ein authentisches Leben führen kann.
Der Tag beginnt mit dem üblichen Rauschen, mit dem sich das Licht ankündigt. Es ist, wie in den letzten Wochen immer, sechs Uhr. Ich weiß nicht, wie man Hilflosigkeit ausdrückt, wahrscheinlich aber kaum mit einem großen Maul. Es gibt Kammern, in die man geht, um sich dem Blei auszusetzen (insofern man jemand ist, der eine Kammer betritt, um sich dem Blei auszusetzen). Die Strategie der Vermeidung rettet nicht vor der Starre im Angesicht des Unbegreiflichen. Ja, die Sonne geht auf (und zum Glück auch wieder unter), die Uhren zeigen noch die Uhrzeit an, durch die offenen Fenster dringt noch Luft, aber sonst … … aber sonst hat sich alles verändert, schwankt mit veralteten Masken durch die Dimensionen einer Trance, die alles bedeckt wie der erste Schnee, der noch etwas auf sich warten lassen wird. Ich glaube, wir bleiben jetzt in diesem Tunnel und folgen ihm zum Ende hin.
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