Journal – Seite 3 – Die Veranda

Hulk – Der Mann, der nicht wütend sein darf

2. August 202628. Mai 2026 von Anski Spiegel

Der Hulk ist kein Superheld mit einem Wutproblem. Er verkörpert ein Wutproblem, in dem ein Superheld steckt, ist also eine Figur, die sich zu einer der tiefgründigsten Auseinandersetzungen mit männlicher Gewalt, Traumata und unterdrückten Emotionen im amerikanischen Mainstream-Comic entwickelt hat.

Im Mai 1962 wurde die erste Ausgabe von The Incredible Hulk veröffentlicht. Bereits auf der zweiten Seite begegnet den Lesern Bruce Banner: schüchtern, blass, mit gebeugter Haltung und in einen weißen Laborkittel gehüllt, der ihn kleiner und verletzlicher erscheinen lässt, als er tatsächlich ist. Wenige Seiten später, nach der Explosion der Gammabombe, tritt das „Andere“ zum ersten Mal in Erscheinung: massig und grau (die grüne Hautfarbe kam erst ab der zweiten Ausgabe), mit winzigen Augen und einer ungebändigten Wut, die jeglicher Sprache entbehrt. Diese erste Verwandlung ist bereits eine Konfrontation. Von Beginn an geht es hier um die zentrale Frage: Was geschieht mit einem Menschen, dem beigebracht wurde, seine Gefühle zu unterdrücken?

Stan Lee berichtete später, dass zwei Schlüsselwerke seine Inspiration für den Hulk waren: Robert Louis Stevensons Jekyll und Hyde und Mary Shelleys Frankenstein. Soweit stimmt das durchaus. Aber diese Erklärung greift zu kurz. Der Hulk ist kein bloßes literarisches Mash-up; er markiert auch einen Wendepunkt in der Geschichte des Superhelden-Comics. Denn erstmals kommt die Bedrohung nicht von außen, sondern aus dem Inneren, und sie manifestiert sich nicht als moralischer Fehler oder eine bewusste Wahl des Bösen wie bei typischen Schurken. Sie basiert auf einer psychologischen Notwendigkeit. Banner verwandelt sich in den Hulk, weil er keine andere Wahl hat. Sein Körper setzt das frei, was sein Verstand krampfhaft zu unterdrücken versucht.

Jack Kirbys persönliche Beziehung zum Hulk

Jack Kirby, der zusammen mit Stan Lee den Hulk erschuf, war ein Mann, der Wut ziemlich gut kannte. Als Sohn jüdischer Einwanderer in New York, als Soldat im Zweiten Weltkrieg und als Künstler, dem über Jahrzehnte hinweg die Rechte an seinen eigenen Kreationen verweigert wurden, wusste er etwas damit anzufangen. Kirby zeichnete den Hulk mit einer körperlichen Präsenz, die in seiner Ära unvergleichlich war. Sein Verständnis für Körperlichkeit stammte aus Boxstudios und den rauen Straßen seiner Jugend. Diese Einflüsse sind in jeder Linie seines Werkes spürbar. Der Körper des Hulk ist die reine Essenz der Wut, die eine physische Manifestation gefunden hat.

Das Jahr 1962 war geprägt von der Unsicherheit des Kalten Krieges, einer Zeit, in der die Bedrohung durch die Atombombe greifbar war und die Gesellschaft Männern – insbesondere weißen, gebildeten Männern wie Bruce Banner – eine klare Botschaft vermittelte: Kontrolle bedeutet Stärke, Emotion ist Schwäche. Ein Wissenschaftler, der sein Leid offen zeigte, galt als weniger wertvoll oder mächtig als ein stoischer Soldat. Lee und Kirby nahmen diese gesellschaftliche Norm, beleuchteten sie durch die Linse der Gammastrahlung und stellten eine grundlegende Frage: Welchen Preis hat diese unterdrückte Gefühlswelt? Was geschieht bei einem Menschen, dem verboten wird, Emotionen auszudrücken?

Die Antwort darauf ist der Hulk. Er ist grün, unbezähmbar und auf paradoxe Weise vollkommen ehrlich. Er zeigt immer, was er fühlt, auch wenn er es meist in Form eines wütenden Brüllens zum Ausdruck bringt.

Die ursprüngliche Graufärbung

Nur wenige wissen, dass der Hulk in seiner ersten Comic-Ausgabe grau war. Die Wahl dieser Farbe erfolgte nicht zufällig. Stan Lee und Jack Kirby entschieden sich bewusst dafür, um den Ursprung der Figur zu verdeutlichen, die eine finstere, ambivalente und moralisch schwer einzuordnende Präsenz verdeutlichen sollte. Der Hulk war ausdrücklich nicht als Held konzipiert, sondern als Verkörperung eines Konflikts, eines unlösbaren Problems.

Dass er ab der zweiten Ausgabe grün wurde, lag jedoch an einem eher trivialen technischen Hindernis. Die Druckmaschinen der frühen 1960er Jahre waren nicht in der Lage, Grau einheitlich darzustellen. Die Farbvarianten reichten von fast weiß bis nahezu schwarz. Aus praktischen Gründen entschied der Produktionsleiter, auf Grün umzusteigen, da diese Farbe verlässlicher druckbar war.

Viele Jahre später griff Marvel die ursprüngliche graue Farbgebung wieder auf. Peter David, der zwischen 1987 und 1998 als Autor hinter einer der einflussreichsten Hulk-Serien stand, schuf den grauen Hulk als eigenständige Persönlichkeit neu. Diese Version nannte sich „Mr. Fixit“ und war ein zynischer, manipulativer und cleverer Türsteher, der sich deutlich vom wilden, naiven Zorn des grünen Hulks unterschied. Die graue Farbe wurde im Nachhinein zum Sinnbild für die komplexere Persönlichkeit dieser Figur.

Peter David und die Revolution des Hulk – Eine psychologische Meisterleistung

Wenn es einen Autor gibt, der den Hulk in eine Figur verwandelt hat, die weit über die Grenzen einer schlichten Comic-Ikone hinausgeht, dann ist es ohne Zweifel Peter David. Zwischen 1987 und 1998 – mit nur einer kurzen Schaffenspause – erschuf eine der tiefgründigsten Charakteranalysen, die der amerikanische Mainstream-Comic je gesehen hat. Das Herzstück seiner Vision? Eine mutige Auseinandersetzung mit dissoziativer Identitätsstörung.

David wagte es, Bruce Banners innere Konflikte auf ungeahnte Ebenen zu heben, indem er enthüllte, dass Banner mit verschiedenen Persönlichkeiten umzugehen hatte, die aus einem erschütternden Kindheitstrauma entsprangen. Sein gewalttätiger, alkoholkranker Vater Brian Banner, der sowohl ihn als auch seine Mutter misshandelte, hinterließ tiefe Spuren. Jede der Persönlichkeiten wurde schließlich zum Spiegelbild einer anderen Bewältigungsstrategie für diesen Schmerz. Der grüne Hulk symbolisierte die ungezähmte, kindliche Wut eines Jungen, der sich nicht zur Wehr setzen konnte. Mr. Fixit, der zynische graue Hulk, repräsentierte die abgeklärte Überlebenshaltung eines Menschen, der gelernt hatte, Gefühle als Gefahr zu betrachten. Und Bruce Banner selbst war das ultimative Ergebnis von Dissoziation, quasi der Versuch, so gründlich vor der eigenen Wut zu fliehen, dass sie dann auch buchstäblich verkörpert wurde.

Diese Interpretation von Hulk war ein erzählerisches Meisterstück, aber sie war auch psychologisch bemerkenswert. In einer Zeit, in der Trauma und seine langfristigen Auswirkungen gerade erst langsam ins öffentliche Bewusstsein rückten, brachte David diese Themen auf mutige Weise in den Mainstream. In einer Ära, in der die Mechanismen traumabedingter Dissoziation noch nicht breiter diskutiert wurden, wirkte Davids Werk wie ein Vorläufer seiner Zeit – eine künstlerische Vision voller Tiefgang und Weitsicht.

Mit seinem Verständnis für psychologische Vielschichtigkeit und menschliche Abgründe versetzte Peter David den Hulk in eine Dimension, die das Medium revolutionierte. Seine Geschichten sind keine einfachen Heldenreisen mit Kraftprotzen. Sie sind eindringliche Erzählungen über Trauma, Überleben und die komplexe Natur unseres Geistes, vielleicht zehn Jahre dem gesellschaftlichen Bewusstsein voraus. Aber das waren Comics schon immer.

Der grüne Hulk Das Kind, das nicht geschützt wurde. Reine, ungefilterte Wut ohne strategische Absicht. Stärker, je wütender – eine Metapher für sich.

Bruce Banner Die Dissoziation selbst. Der Mann, der seine eigene Wut nicht kennt – oder kennen will. Hochintelligent, emotional abgetrennt.

Der graue Hulk Mr. Fixit. Der Zyniker, der Manipulator. Überlebenstaktik statt Gefühl. Intelligenter als der grüne, aber kälter.

Professor Hulk Die synthetisierte Version: Banners Intelligenz, Hulks Körper, scheinbare Integration – aber fragil, weil erzwungen.

Das Monsterproblem: Held oder Bedrohung?

Was den Hulk von den meisten Superhelden unterscheidet, ist seine ambivalente moralische Position. Die Frage, ob er Held oder Schurke ist, bleibt absichtlich ungelöst. General Thaddeus „Thunderbolt“ Ross, der den Hulk jahrelang jagt, wirft einen berechtigten Punkt auf: Kann man eine unkontrollierbare Kraft, die inmitten von Zivilisationen wütet und enorme Zerstörungen anrichtet, wirklich als Helden betrachten, nur weil sie von einem innerlich zerrissenen Mann ausgeht?

Marvel beantwortet diese Frage bewusst nicht endgültig, und zwar aus gutem Grund. Ein Hulk, der eindeutig als Held positioniert ist, wäre eintönig. Ein rein böser Hulk hingegen wäre eine tragische Verschwendung seines Potenzials. Doch als moralisch widersprüchliche Figur wird der Hulk zu einer tiefgründigen literarischen Darstellung menschlicher Ambivalenzen.

Ein Paradebeispiel für diese Zerrissenheit zeigt sich in Planet Hulk. In dieser Geschichte wird der Hulk von einer Gruppe von Helden wie Iron Man und Mr. Fantastic in einer Rakete ins All verbannt, da sie ihn aufgrund seiner Gefährlichkeit nicht länger auf der Erde dulden können. Er landet auf einem fremden Planeten mit einer Gladiatorenarena, wird zunächst versklavt, erlangt dann jedoch seine Freiheit und steigt schließlich zum König dieses Planeten auf. Die Erzählung erinnert an Homers Odyssee im Science-Fiction-Gewand und verweist dabei direkt auf eine unbequeme Frage: Hatten die Helden Recht in ihrer Entscheidung? Und wenn ja – was bedeutet das für unser Verständnis von Heldentum?

World War Hulk: Der schmale Grat zwischen Rache und Gerechtigkeit

Die Ereignisse des Nachfolgers World War Hulk (2007) kehren die Perspektive um. Nun kehrt der Hulk zur Erde zurück, um sich an denjenigen zu rächen, die ihn einst verraten haben. Dabei entwickelt sich eines der wenigen Marvel-Crossover-Events, bei dem Leser unsicher bleiben, auf wessen Seite sie eigentlich stehen sollen. Greg Pak zeichnet den Hulk hier als jemanden, dessen Gefühle von Verrat und Zorn nachvollziehbar erscheinen, dessen Handlungen jedoch eine moralische Grauzone darstellen. So entsteht ein Charakter, der zwar im Recht sein könnte, aber dennoch falsch handelt.

Lou Ferrigno, Bill Bixby und das Fernsehen der Einsamkeit

Für alle, die in den späten 1970ern und frühen 1980ern vor dem Fernseher groß wurden, ist der Hulk untrennbar mit der CBS-Fernsehserie verbunden, die zwischen 1977 und 1982 ausgestrahlt wurde. Diese Serie war durchzogen von einer traurigen, nachdenklichen Grundstimmung, die in ihrer Tiefe weit über das hinausging, was ein Abenteuerformat jener Zeit normalerweise zu bieten hatte.

Im Mittelpunkt der Serie stand Bill Bixbys Darstellung von Dr. David Banner – nicht Bruce Banner, wie es in den Comics heißt; NBC hatte den Namen aus rechtlichen Gründen geändert. David Banner war ein Mann auf der Flucht, aber viel mehr vor sich selbst als vor anderen. Die einleitende Sequenz jeder Folge endete mit den ikonischen Worten: „Dr. David Banner – Arzt und Wissenschaftler […] er muss die Welt in dem Glauben lassen, dass er tot ist – bis er eine Möglichkeit findet, die unheimlichen Kräfte, die in ihm wohnen, unter Kontrolle zu bringen.“

Diese Worte resümierten die tragische Essenz dessen, wer Banner war, und erhielten durch Bixbys nuanciertes Schauspiel eine besondere Intensität. Er brachte eine innerliche Zerrissenheit zur Darstellung, die kein Actionheld dieser Ära hätte nachahmen können.

Lou Ferrigno war als körperlich sehr präsenter Hulk das perfekte Gegenstück zu Bixbys stiller Verzweiflung. Die Serie erkannte – anders als viele spätere Adaptionen –, dass der Hulk kein glorreicher Held ist, der von Abenteuer zu Abenteuer eilt. Stattdessen stellte sie ihn als Symbol eines niemals heilenden Schmerzes dar, der immer wieder aufreißt.

Ang Lee, Louis Leterrier und die Suche nach dem richtigen Ton

Im Gegensatz zur kultigen Serie zeigt sich die Kinogeschichte des Hulk eher als eine wechselvolle Reise des Scheiterns, und doch gab es einen Moment, in dem die Balance fast gelungen wäre. Der Hulk-Film von Ang Lee aus dem Jahr 2003 zum Beispiel bleibt bis heute umstritten. Lee wagte sich an ein psychologisches Drama in Comicoptik heran, komplett mit geteilten Bildschirmen und komplexen Charakteren. Nick Nolte verkörperte den düsteren Antagonisten – einen psychotischen Vater –, während Eric Bana als David Banner brillierte und dessen emotionale Zurückhaltung bis in jede Körperhaltung transportierte. Es war ein ambitionierter Ansatz, getragen vom Verständnis der inneren Zerrissenheit des Hulk. Doch leider konnte der Film in manchen Szenen das Absurde nicht überwinden: Die berüchtigten Gamma-Hunde und der übertriebene Endkampf ließen Lees Werk letztlich in sich zusammenfallen.

Dann kam 2008 die Interpretation von Louis Leterrier mit Edward Norton in der Hauptrolle. Weniger Federlesen mit der Psyche, mehr geradlinige Action. Dadurch wurde ein weit zugänglicherer Film geschaffen – unterhaltsam für das Publikum, aber weitaus weniger tiefgründig für Fans des Hulk-Mythos. Zwar brachte Norton ein gutes Verständnis für die Figur mit, aber das Drehbuch erlaubte ihm kaum Raum für Komplexität.

Eine neue Hoffnung für den Hulk kam mit Mark Ruffalos Darstellung im Marvel Cinematic Universe (MCU). Unter den Regisseuren des MCU gelingt es Ruffalo, die Balance zwischen Wissenschaftler und innerem Monster am überzeugendsten darzustellen. Sein mittlerweile legendärer Satz „Das ist mein Geheimnis, Captain: Ich bin immer wütend“ aus The Avengers bringt das Wesen dieser Figur so prägnant auf den Punkt wie kaum ein anderer Versuch zuvor. Die Wut ist für Banner keine plötzliche Explosion, sie ist sein permanenter Begleiter. Der Hulk ist keine Ausnahmeerscheinung; er ist schlicht die Konsequenz dieser Wut, die Banner inzwischen gelernt hat zu kontrollieren.

Indem diese Konstante von Leid und Kontrolle aufgegriffen wird, bringt Ruffalos Hulk zumindest etwas von jener Tiefe zurück, die einst Ferrigno und Bixby auf die Bildschirme gebracht haben. Aber ob wir je wieder eine Adaption erleben werden, die an den melancholischen Kern jener Fernsehserie heranreicht? Das bleibt abzuwarten, doch für jene Generation bleibt sie unvergessen.

Die Bedeutung von Grün

Auch wenn die Wahl der Farbe Grün anfangs vielleicht zufällig war, birgt sie dennoch eine tiefere symbolische Ebene. In der westlichen Kultur steht Grün oft für den Außenseiter, das Fremde und das Unbekannte – von Außerirdischen bis hin zu Darstellungen des Teufels in der mittelalterlichen Kunst. Es ist zudem die Farbe von Giften, von Radioaktivität und von Gefahr. Gleichzeitig repräsentiert Grün die Natur: wild, ungezähmt und außerhalb menschlicher Kontrolle.

In dieser Farbwahl spiegelt sich der Hulk perfekt wider. Er verkörpert das Ungezähmte in einem sonst rationalen und kultivierten Menschen – einer Person, die als Wissenschaftler und Physiker ihren Verstand zu ihrem tiefsten Wesenskern gemacht hat. Doch die Gammastrahlung zerstört Bruce Banner nicht, sie erschafft den Hulk. Sie bringt das hervor, was stets in Banner schlummerte und nun nicht mehr verdrängt oder ignoriert werden kann.

Die wahre Radikalität dieser Figur, die mittlerweile seit sechs Jahrzehnten existiert, liegt darin, dass der Hulk als unmittelbare, unverhüllte und unberechenbare Reaktion auf jene gesellschaftlichen Erwartungen entsteht, die Männern beibringen, dass Wut oder ähnliche Emotionen keinen Platz haben. Dass Schmerz stillschweigend akzeptiert werden muss. Dass Kontrolle über alles andere zu stehen hat.

Doch irgendwann bricht dieses kontrollierte Bild zusammen. Irgendwann wird es grün. Und letztlich – das ist das wohl tiefgreifendste Thema der Figur – stellt man sich nicht mehr die Frage, wie man den Hulk loswerden könnte. Vielmehr wird gefragt, wie man mit ihm leben kann.

Supergirl – Die Cousine des Stählernen

16. September 202627. Mai 2026 von Anski Spiegel

Supergirl ist eben nicht die weibliche Kopie von Superman. Schon alleine die Tatsache, dass sie eigentlich älter ist als ihr ikonischer Cousin, bringt eine interessante Wendung mit sich. Und dennoch wurde sie über Jahre hinweg auf die Rolle einer Randfigur reduziert. Es ist die Chronik einer Heldin, die immer wieder (metaphorisch) sterben musste, um dann vergessen und erneut ins Leben gerufen zu werden, bis man endlich erkannte, welche Strahlkraft sie wirklich besitzt.

Die Comic-Premiere gehört natürlich weiterhin Kal-El, aber Kara Zor-El alias Supergirl ist tatsächlich älter als Clark Kent, zumindest als Charakter. Ihre Rettungskapsel verließ den zerstörten Planeten Krypton lange vor der von Superman. Ursprünglich hätte sie vor ihrem kleinen Cousin die Erde erreichen sollen, doch ihr Schiff geriet in einen Meteoritenschauer, und Kara war dazu verdammt, Jahrzehnte lang im Kälteschlaf zu treiben. Währenddessen wuchs Clark Kent auf der Erde heran, wurde zu Superman und schließlich zu einem weltweiten Symbol des Heldenmuts. Als Kara dann endlich 1959 in Ausgabe #252 der Action Comics auftauchte, war sie trotz ihres ursprünglichen Vorsprungs diejenige, die sich hinten anstellen musste – „die Neue“, „die Nachgekommene“, „das Mädchen“.

Esset nicht davon

30. Juli 202625. Mai 2026 von M.E.P.

Teil 1

Teil 2

Vom christlichen Satan über den islamischen Iblis bis hin zum zoroastrischen Angra Mainyu taucht die Idee eines singulären Wesens, das das Böse repräsentiert, als kulturelle Allgegenwart immer wieder in den Annalen der Menschheit auf. Eine gegnerische Kraft, die sich im Kontext bestimmter Traditionen und Gesellschaften auf einzigartige Weise als Archetyp manifestiert. Der hinduistische Ravana etwa, jener zehnköpfige Dämonenkönig, der die Göttin Sita entführte – auch er trägt die Züge des ewigen Widersachers, der Ordnung in Chaos verkehrt. Zehn Köpfe und darin zehn Münder mit zehn verschiedene Versprechen, die alle auf dasselbe hinauslaufen: die Grenze überschreiten, die nicht überschritten werden darf.

Der Pakt mit dem Teufel ist die formalisierte Variante dieser Überschreitung. Wenn man so will, ist er die Vertragsform der Sünde, ihre juristische Kodifizierung. Was im Garten Eden noch eine spontane Geste war – der Griff nach der Frucht –, wird hier zum Rechtsakt, komplett mit Gegenleistung, Bedingungen und Unterschrift. Die Geschichte kennt viele solcher Pakte, dokumentiert und undokumentiert, und zwei davon tauchen jetzt vor mir auf und liegen dokumentiert auf meinem Pult. Jenen des Benediktinermönchs Herman im Jahr 1229 einging und jenen, den Elizabeth Knapp im Jahr 1671 verweigerte.

Wir wissen so viel über Elizabeth Knapp, die in Groton, Massachusetts, lebte, weil die Schrift sie bewahrt hat – Reverend Samuel Willards akribische Aufzeichnungen machten sie unsterblich. Doch die Schrift, die sie für uns rettete, stand ihr selbst nicht zur Verfügung. Sie wusste nichts von jenem monumentalen Artefakt, das ihre Erfahrung hätte kontextualisieren können: dem Codex Gigas. Dieses kolossale Manuskript von 75 Kilogramm, angeblich in nur einer Nacht auf 160 Tierhäuten niedergeschrieben, existierte zu Elizabeths Zeit bereits seit über vierhundert Jahren. Es lag in einer Bibliothek, zugänglich nur für Gelehrte, für Mönche, für jene privilegierte Klasse von Menschen, die lesen konnten und durften. Welche Magd in Neuengland hätte je davon erfahren? Die Gelehrsamkeit war damals, wie heute, ein Privileg, und Elizabeth besaß davon so wenig wie von allem anderen. Sie konnte nicht wissen, dass Jahrhunderte vor ihr ein Mönch einen Pakt mit demselben Widersacher geschlossen hatte, unter anderen Umständen, mit anderen Bedingungen, doch mit derselben fundamentalen Struktur: die Seele als Währung, das Unmögliche als Preis. Sie musste glauben, sie sei die Erste, die Einzige, schließlich die Verdammte.

Spirou – Der Page im roten Kostüm

9. August 202623. Mai 2026 von Anski Spiegel

Die Figur des Spirou wurde erstmals 1938 von dem Künstler François Robert Velter (besser bekannt unter seinem Pseudonym „Rob-Vel“) gezeichnet. In dem phantasievollen ersten Comic läuft Spirou buchstäblich vom Blatt, als er auf eine Stellenanzeige als Page antwortet. (Im Laufe der Zeit wechselte Spirou den Beruf und wurde Reporter, aber seine kultige rote Pagenuniform legte er nie ab.) Velters Comics über Spirou und sein Eichhörnchen Pips konzentrierten sich im Allgemeinen auf alberne Gags und verzichteten auf ernsthafte Dramen. Sie erwiesen sich als recht populär, und der Verlag Dupuis bekundete Interesse, die Comics herauszugeben. Für die damalige Zeit ungewöhnlich, verkaufte Velter die Rechte an den Figuren, so dass seither andere Geschichten für Spirou schreiben und zeichnen konnten – und es auch taten! Bis heute haben sich mehr als 20 Autoren und Künstler daran versucht. Am bekanntesten sind André Franquin (der den Comic von 1947 bis 1969 führte) und das Team Philippe ‚Tome‘ Vandevelde und Jean-Richard.

Spirou: Die Goldene Ära unter Franquin

Als Franquin den Comic Ende der 1940er Jahre von Joseph („Jijé“) Gillain übernahm, begann er, längere Geschichten zu entwickeln. Jijé hatte die Figur von Spirous bestem Freund Fantasio eingeführt, aber Franquin erweiterte das Spirou-Universum beträchtlich. Neben dem aufbrausenden Fantasio führte er den exzentrischen Wissenschaftler Graf von Rummelsdorf, die abenteuerlustige Reporterin Steffani und – am bekanntesten – das langschwänzige, tigerähnliche Dschungeltier Marsupilami ein.

Nach 20 Comic-Alben (oder 21, je nachdem, wie man zählt) trennte sich Franquin 1969 von Spirou und Fantasio. Die beiden folgenden Epochen haben zwar ihre Fans, sind aber bei weitem nicht so beliebt wie die von Franquin. Jean-Claude Fournier, der die Nachfolge des Meisters antrat, versuchte, den Comic zu modernisieren, indem er in einigen Geschichten die Politik aus dem Hintergrund ins Zentrum rückte. Aber erst als Tome und Janry 1984 begannen, die Serie zu schreiben und zu illustrieren, erlebte der Comic eine Renaissance.

Pips, Spirou, Fantsio, und das Marsupilami

Spirou: Die silberne Ära

Die Comics von Tome/Janry sind zwar stark von Franquins Kunst und Geschichten beeinflusst, haben aber ihre eigene, unverwechselbare Persönlichkeit. Die Geschichten sind etwas kompakter (im Allgemeinen 45 Seiten statt der bei Franquin üblichen 65), und diese Comics haben eine gewisse Schärfe, die Franquins Werke nicht haben. Sie sind immer noch sehr unterhaltsam, aber schon ihr erstes Werk, Das geheimnisvolle Virus von 1984, befasst sich mit biologischer Kriegsführung, wenn auch auf komische Weise. Janrys Kunst steht eindeutig in der Tradition von Franquin, aber sie ist irgendwie „kratziger“ und besitzt eine gewisse Erdigkeit. Außerdem ist sie detaillierter als in den älteren Comics, mit liebevoll gestalteten Hintergründen.

In der Hauptserie entwickelten die Geschichten von Tome und Janry einen gewissen Biss. Mit der Zeit begannen sie, den Comic an seine Grenzen zu treiben, indem sie ungewöhnliche Erzähltechniken einsetzten und die Figuren in seltsame neue Situationen brachten. 1998 erschien Machine qui rêve („Jagd auf Spirou“), das heftig kritisiert wurde, weil es düster war und sich von den traditionellen Comics von Spirou und Fantasio unterschied. Autor und Zeichner beschlossen, sich aus der Serie zurückzuziehen und sich auf Young Spirou zu konzentrieren.

Kampf um Erfolg

Seither kämpft der Comic darum, die Qualität und Popularität seiner goldenen Ära unter Franquin und seiner silbernen Ära unter Tome und Janry wiederzuerlangen. Autoren und Zeichner haben ihr Bestes gegeben, aber keiner hat die Serie länger als fünf Titel geleitet.

Doch zurück zum goldenen Zeitalter von Spirou und Fantasio, dem Werk von Franquin. Leser, die mit Tim und Struppi aufgewachsen sind, werden an diesen Comic-Heften ihre helle Freude haben. Jeder Band erzählt eine relativ abgeschlossene Geschichte über die Abenteuer von Spirou und Fantasio. Jede Geschichte ist ein Wirbelwind von Spaß. Die Situationen sind phantasievoll. Die Figuren sind oft komisch, aber auf ihre überlebensgroße Art realistisch. Die Zeichnungen (im Ligne-Claire-Stil, der von Hergé, dem Erfinder von Tim und Struppi, eingeführt wurde) entführen den Leser in eine wunderbare Comicwelt.

Was passiert in den Geschichten?

Doch was passiert in Franquins Geschichten? Meistens geraten die beiden Protagonisten selbst oder einer ihrer Freunde in Schwierigkeiten (zum Beispiel wird ihr tierischer Freund, das Marsupilami, entführt oder jemand, der Fantasio zum Verwechseln ähnlich sieht, begeht ein Verbrechen) und müssen das Problem lösen. Dabei hilft ihnen oft der Graf von Rummelsdorf, eine Figur mit weißen Haaren, die ständig neue fantastische Erfindungen macht. Diese Erfindungen sind oft sehr phantasievoll und es macht Spaß zu sehen, wie sie in den Geschichten eingesetzt werden. Die Reporterin Steffani taucht gelegentlich auf und stiehlt, wenn sie denn auftaucht, jedem die Show. Fantasios Rivalität mit ihr ist urkomisch, und es ist schwer, sich nicht zu wünschen, dass sie ein festerer Bestandteil des Teams wäre, da sie nur in einer Handvoll von Franquins Geschichten vorkommt.

In einigen Geschichten werden die Konflikte durch die Handlungen der Protagonisten oder ihrer Freunde ausgelöst, z. B. wenn der Graf ein in der Tundra gefrorenes Dinosaurierei entdeckt und ausbrütet, was zu einer wilden Situation führt, in der ein Dinosaurier durch eine französische Kleinstadt stolpert.

Batman – Der dunkle Ritter

17. September 202622. Mai 2026 von Anski Spiegel

Die Erzählung von Batman hat sich längst zu einem modernen Mythos entwickelt. Der junge Bruce Wayne wird Zeuge der brutalen Ermordung seiner Eltern und schwört, das Verbrechen zu bekämpfen. Getrieben von diesem Ziel, widmet er sein Leben der Selbstdisziplin. Er meistert nahezu sämtliche Kampfkünste, eignet sich wissenschaftliche Expertise an, wird ein brillanter Detektiv und stellt sich den zahlreichen Bedrohungen, die seine Heimatstadt Gotham City heimsuchen, eine Stadt, die mittlerweile genauso ikonisch ist wie der Dunkle Ritter selbst.

Seinen ersten Auftritt hatte Batman im Mai 1939 in Detective Comics Nr. 27. Schon ein Jahr später erhielt er eine eigene Comicreihe. Offiziell wurde die Figur von Bob Kane geschaffen, nachdem der Redakteur Vin Sullivan ihn damit beauftragt hatte, einen neuen Helden zu entwickeln, der an den Erfolg von Superman anknüpfen sollte. Doch viele der markanten Merkmale Batmans entstanden durch den wenig bekannten Autor Bill Finger, dessen entscheidender Einfluss erst spät gewürdigt wurde. Während Kane das grundlegende Konzept eines maskierten Detektivs lieferte, war es Finger, der dem Helden seine unverkennbaren Charakteristika verlieh: die düstere Kapuze mit den spitzen Ohren, den Umhang, die Abwesenheit übernatürlicher Kräfte, den bürgerlichen Namen Bruce Wayne und die düstere Kulisse Gothams. Auch die tragische Ursprungsgeschichte des Helden, der Tod seiner Eltern in einer dunklen Gasse, stammt von Finger.

Trotz seiner prägenden Beiträge wurde Bill Finger zu Lebzeiten nie offiziell als Mitbegründer (und eigentlich Hauptbegründer) von Batman anerkannt. Bob Kane hatte sich vertraglich die alleinigen Rechte sichern lassen und jahrzehntelang die Lorbeeren geerntet. Erst im Jahr 2015, viele Jahre nach Fingers Tod, erkannte DC Comics seine maßgebliche Rolle öffentlich an. Diese späte Wertschätzung stellt nicht nur ein bedeutendes Kapitel in der Kulturgeschichte des Urheberrechts dar, sondern spiegelt zugleich ein zentrales Motiv wider, das Batman selbst verkörpert: den unermüdlichen Kampf für Gerechtigkeit in einer grundsätzlich ungerechten Welt.

Superman setzte seine übermenschlichen Kräfte ein, um der Korruption entgegenzutreten, während Batman von Anfang an eine deutlich düsterere Figur war. Seine Charakterentwicklung war stark von den Pulp-Magazinen, der Legende von Zorro und dem Horrorfilm The Bat aus dem Jahr 1926 geprägt. Als geheimnisvolle Gestalt der Nacht zögerte Batman zunächst nicht, Verbrecher zu töten, wenn er glaubte, dass sie es verdient hätten. Damit spiegelte er die ambivalente Stimmung seiner Zeit wider, die zwar von Fortschritt und Optimismus geprägt war, jedoch auch von einer gewissen Desillusionierung angesichts des Zweiten Weltkriegs. In dieser zerrissenen und fragilen Gesellschaft, die moralisch weder eindeutig gut noch böse war, fand das Konzept eines wohlhabenden Rächers perfekt seinen Platz in der kulturellen Landschaft jener Ära.

Kane beschrieb das Vorgehen, Batman zu einem Waisenkind zu machen, so:

“Bill und ich haben lange darüber nachgedacht, aber dann kamen wir zu dem Schluss, dass es nichts Traumatischeres gibt, als wenn deine Eltern vor deinen Augen ermordet werden.”

Indem sie ihren Protagonisten auf diese Weise von seinen Eltern loslösten, zielten die Schöpfer von Batman darauf ab, bei den Lesern Mitgefühl zu wecken und der Figur einen tiefen, düsteren Gerechtigkeitssinn mitzugeben. Dieser Drang nach Gerechtigkeit formt Batmans Bestreben, „der größte Detektiv der Welt“ zu werden. Dabei entging ihnen möglicherweise, dass sie zugleich eine kraftvolle Figur erschufen, die das Pathos eines Dickens’schen Waisenkinds mit dem Mythos des Selfmade-Mannes vereint.

Was Batman so einzigartig macht

In einer Welt voller Helden mit übernatürlichen Fähigkeiten bleibt Batman ein Sonderfall: ein Mensch unter Göttern. Ohne Superkräfte stellt er sich dem Verbrechen allein durch rigoroses Training, scharfen Verstand und unerschütterlichen Willen entgegen. Gerade diese menschliche Verletzlichkeit, kombiniert mit radikaler Selbstdisziplin, hebt ihn von nahezu allen anderen Figuren des Comicuniversums ab. Seine einzige wahre „Superkraft“ ist sein eiserner Wille, geprägt von einem Kindheitstrauma, das ihn unaufhaltsam antreibt. Doch Batman ist nicht nur ein Kämpfer; er ist auch ein Denker. Als der „beste Detektiv der Welt“ untersucht er akribisch Tatorte, löst komplexe Rätsel und durchdringt die psychologischen Motive seiner Feinde. Seine Verkleidung ist nicht allein zur Tarnung gedacht – sie symbolisiert eine tiefgreifende Wandlung: Bruce Wayne ist bloß die Fassade, während Batman die wahre Identität verkörpert. Das Cape ist längst ein Teil seiner selbst geworden.

Hinzu kommen seine hochentwickelten technischen Hilfsmittel, die ihn zur Legende machen. Von seinem vielseitigen Utility-Gürtel über das ikonische Batmobil bis hin zum Bat-Signal. All diese Artefakte tragen zur Mythenbildung des Dunklen Ritters bei. Er ist eine Gestalt, die Schmerz, Technologie und absolute Selbstbeherrschung in einer Person vereint und so zu einer unsterblichen Ikone wurde.

Die nächste Inkarnation des maskierten Rächers entstand auf überraschende Weise, als die Verkaufszahlen von Superhelden-Comics während des Silver Age merklich sanken. Dennoch erlebte Batman mit seiner berühmten Fernsehserie eine Renaissance, die ihn in einem völlig neuen Licht zeigte. Die Darstellung in dieser Serie zeichnete sich durch Kitsch und Humor aus. Dieser Batman war nicht der düstere Verbrechensbekämpfer, sondern eine bewusst kinderfreundliche Figur, die dennoch durchaus gesellschaftliche Veränderungen widerspiegelte.

Die 60er Jahre werden oft – ob gerechtfertigt oder nicht – mit freier Liebe, Drogenkultur und der Hippie-Bewegung assoziiert. Diese Zeit erschien einerseits ausgelassen und fröhlich, andererseits aber auch exzentrisch und ein wenig surreal, ähnlich wie Adam Wests Interpretation von Batman, die trotz aller Skurrilität von Charme und Witz geprägt war. Während Kinder sich an den actiongeladenen Kämpfen, cleveren Fallen und exzentrischen Bösewichten wie dem Riddler, Joker, King Tut oder Egghead erfreuten, bot die Serie Erwachsenen reichlich Anlass zum Schmunzeln über die parodistische Darstellung des Superheldenmythos. In ihrer Leichtigkeit und Verspieltheit verkörperte diese Adaption perfekt die Eigenarten des Silver Age. Gerade diese humorvolle Herangehensweise machte Batman zu einer kulturellen Ikone, die weit über die Welt der Comics hinausreichte. Noch heute ist es verblüffend, wie treffend Batman in dieser Phase seiner Entwicklung die gesellschaftlichen Strömungen von 1966 reflektierte. Genau hier liegt ein Teil seines andauernden Erfolgs. Jede seiner Versionen spiegelt auf ihre eigene Weise den Zeitgeist wider.

Nach den Abenteuern von Adam West verschwand Batman jedoch weitgehend aus der Live-Action-Welt und wurde vornehmlich in Zeichentrickserien adaptiert. Hier trat er oft als Titelheld in Kombinationen mit anderen Warner-Figuren wie etwa Scooby-Doo auf, was unter anderem den Rechten geschuldet war, die Warner Bros. immer noch für die DC-Charaktere hält. Diese Phase wird oft als Tiefpunkt für das Superhelden-Genre und insbesondere für Batmans Ruf angesehen. Während einige DC-Helden weiterhin heroisch gegen das Böse kämpften, wurde Batman zunehmend zur Karikatur seiner selbst degradiert, eine einst respektierte Figur, die zu einer komischen Randerscheinung geworden war.

Der Dunkle Ritter

Neal Adams war es dann, der Batman in den späten 1960er Jahren wieder düsterer erscheinen ließ. Sein detaillierter und realistischer Stil verlieh der Figur viel mehr Profil, und so ist er bis heute einer der einflussreichsten Künstler, die je an der Figur gearbeitet haben. Ihm gelang es, Batmans Aussehen für eine neue Generation von Comicfans zu aktualisieren.

In den Köpfen der Kinder und Eltern blieb Adam Wests Darstellung von Batman vor allem deshalb in Erinnerung, weil das Medium Film damals schon eine weitaus größere Reichweite hatte und auch jene Menschen erreichte, die mit Comics wenig anfangen konnten. Doch in den 1980er Jahren brachte Frank Miller eine entscheidende Wende. Mit seinem Werk „The Dark Knight“ setzte er einen neuen Maßstab dafür, was ein Superheldencomic leisten kann. Gemeinsam mit Alan Moores bahnbrechendem „Watchmen“ veränderte Miller die Welt der Comics nachhaltig.

Als Autor schuf Miller düstere Geschichten, die in einer finsteren und gnadenlosen Welt angesiedelt sind. Zum ersten Mal seit den 1940er- und 1950er-Jahren wurde Batman wieder ernst genommen und zurück ins kollektive Bewusstsein gebracht. In Millers Werken zeigt sich ein übergreifendes Muster, das über das Medium Comic und die Superheldenthematik hinausreicht. Es verweist auf grundlegende Fragen der menschlichen Existenz, indem es eine latente Erwartung zukünftiger Katastrophen thematisiert, die als nahezu unausweichlich dargestellt werden. Und tatsächlich sollte diese diffuse Vorahnung im Jahr 2001 eine beklemmende Realität werden.

Auch wenn die Inhalte von „The Dark Knight“ keinerlei direkte Verbindung zu terroristischen Anschlägen haben, so fängt Millers Werk dennoch den Geist und die kulturelle Stimmung einer Zeit ein, die für solche Katastrophen empfänglich war, und somit einen symbolischen Nerv des Zeitgeistes getroffen hat. Ohnehin ist es erstaunlich, wie treffsicher Comickünstler schon immer die Wirklichkeit vorwegnahmen.

Warum lieben Leser Batman?

Die Fangemeinde von Batman ist ebenso facettenreich wie die zahlreichen Interpretationen der Figur. Einige Leser fühlen sich besonders von den düsteren Detektivgeschichten angesprochen, in denen Batman weniger als Kämpfer, sondern vielmehr als brillanter Ermittler auftritt. Andere bewundern seine kompromisslose moralische Haltung in einer Welt voller Korruption. Viele wiederum schätzen seine tiefgehende psychologische Dimension. Hier ist ein Mann, der sein eigenes Trauma nicht verdrängt, sondern es bewusst nutzt, um anderen zu helfen.

Eine bedeutende Rolle spielt auch die „Bat-Familie“. Charaktere wie Robin, Batgirl, Nightwing oder Alfred Pennyworth bereichern das Universum mit emotionaler Tiefe, zwischenmenschlichen Konflikten und vielseitigen thematischen Facetten. Besonders hervorzuheben ist die Weiterentwicklung von Tim Drake, dem dritten Robin, der 2021 in den Comics offiziell als bisexuell dargestellt wurde, ein wegweisender Schritt für mehr Diversität und Repräsentation in den Mainstream-Comics.

Die Fans beschäftigen sich zudem leidenschaftlich mit verschiedenen Storylines, visuellen Stilen und den oft zentralen moralischen Fragen. Klassiker wie The Killing Joke, Year One, Hush oder The Long Halloween faszinieren nicht nur durch ihre packende Handlung, sondern auch durch die tiefgründigen Themen, die sie behandeln – darunter Wahnsinn, Gerechtigkeit und die grundlegende Natur des Bösen.

Philosophische Dimensionen

Batman zählt zu den philosophisch tiefgründigsten Figuren der Comicwelt, da er essenzielle Fragen zur Identität aufwirft. Ist Bruce Wayne lediglich die Fassade, die Batman nutzt, um in der Gesellschaft zu funktionieren, oder umgekehrt: Ist Batman die Maske, hinter der sich ein gebrochener Junge versteckt? Diese Ungewissheit über das wahre Ich zieht sich wie ein Leitmotiv durch die besten Geschichten des Dunklen Ritters. Gleichzeitig verkörpert Batman ein moralisches Dilemma. Obwohl er außerhalb des Gesetzes agiert, folgt er einem strengen Kodex: Er tötet nicht. Diese Selbstauferlegung ist kein Zeichen von Schwäche, sondern Ausdruck seiner inneren Disziplin und damit eine bewusste Distanzierung von dem Chaos, das tief in seinem Inneren lauert.

Dies wird besonders in seiner Beziehung zu seinem ewigen Gegenspieler, dem Joker, deutlich. Der Joker steht für unkontrollierte Anarchie, radikale Entgrenzung und den zynischen Nihilismus eines lachenden Wahnsinnigen, der Batman als seinen Spiegel sieht, als einen Seelenverwandten im Wahnsinn. Diese ambivalente Dynamik wirft eine zentrale Frage auf. Wo verläuft überhaupt die Grenze zwischen Ordnung und Wahnsinn, zwischen dem Streben nach Gerechtigkeit und der Gefahr des selbstgerechten Vigilantismus? Batman bewegt sich in einer moralischen Grauzone und fordert somit den Leser auf, sich denselben tiefgreifenden Fragen zu stellen.

Superman – Der Mann aus Stahl

2. August 202621. Mai 2026 von Anski Spiegel

Ein merkwürdiges Schauspiel bot sich auf dem Titelblatt der ersten Ausgabe von Action Comics im April 1938 seinen Lesern. Ein seltsam gekleideter Mann mit rotem Umhang hielt ein ganzes Auto über seinen Kopf.

Auf seiner Brust prangte ein rotes “S” auf gelbem Grund. Der Stil mag sich im Laufe der Jahrzehnte geändert haben, aber der Mann aus Stahl wurde immer in den gleichen Farben gezeigt: rot, gelb und blau.

In einer stillen Nacht im Jahr 1933, irgendwo in einem Vorort von Cleveland, saß ein 18-jähriger Junge namens Jerry Siegel schlaflos in seinem Zimmer. Draußen rauschte der Wind durch die Baumwipfel, und das Dröhnen der Großen Depression hing über der Stadt wie ein bleierner Nebel. Drinnen, bei schwachem Licht, tippte Jerry fieberhaft auf seiner Schreibmaschine. Es war keine gewöhnliche Geschichte, die er da schrieb. Es war die Geburt eines Traums, und der Anfang einer Legende.

Ein Mann, stärker als jede Maschine, schneller als jede Kugel. Ein Mann, der fliegen konnte. Der Kammern durchblickte, Berge versetzte und nie aufgab. Superman.

Doch er kam nicht allein zur Welt. Neben Jerry Siegel stand ein schüchterner junger Mann mit Brille, der schlecht sah und besser zeichnete als sprach: Joe Shuster. Gemeinsam formten sie das, was bald das Rückgrat einer ganzen Industrie sein sollte, das Urbild des modernen Superhelden.

Am Anfang war Superman kein Held. In der allerersten Version war er ein Telepath, ein finsterer Diktator mit übermenschlichen Fähigkeiten. Doch das hielt nicht lange. Siegel erinnerte sich später:

„Ich setzte mich einfach hin und schrieb eine Geschichte dieser Art – nur war in dieser ersten Geschichte der Superman ein Bösewicht.“

Es war eine andere Nacht, nicht lange danach, als Jerry das Herz der Figur entdeckte.

„Eines Nachts, als mir all diese Gedanken durch den Kopf gingen, kam mir das Konzept, dass Superman eine doppelte Identität haben könnte […]. Die Heldin in dieser Geschichte würde denken, er sei ein Waschlappen; dennoch wäre sie verrückt nach diesem Superman-Charakter.“

Clark Kent – der tollpatschige, verlegene Reporter – war Jerry selbst. Und Superman war das, was er sich wünschte zu sein. Stark. Bewundert. Unbesiegbar. Joe, der fast blind war und sich kaum traute, mit Mädchen zu sprechen, erkannte sich in Clark ebenfalls wieder.

„Ich war zurückhaltend, trug eine Brille, war sehr schüchtern gegenüber Frauen“, erinnerte er sich später. „Das Kostüm wurde inspiriert von den Kostümbildern, die sie in Fairbanks zum Karneval gemacht hatten.“

Doch wie bringt man einen Halbgott unter die Leute, wenn kein Verlag an ihn glaubt? Die beiden schickten ihre Idee an Dutzende Redaktionen. Keine wollte ihn. „Anfangs wurden wir von fast jedem Comic-Verlag im Land abgelehnt“, sagte Siegel nüchtern.

Fünf Jahre nach jener ersten Nacht griff schließlich der junge Verlag Detective Comics zu. Für 130 Dollar verkauften Siegel und Shuster die Rechte an ihrer Schöpfung. 1938 erschien Superman in Action Comics #1 – und veränderte das Medium für immer.

Artefakte der Populärkultur müssen in ihrem jeweiligen sozialen und politischen Kontext analysiert werden, um die Dimensionen ihrer Bedeutung wirklich zu erkennen und zu verstehen. “Superman” als Ikone der Nachkriegszeit kann in einem solchen Kontext verstanden werden, denn in Fernsehsendungen, Filmen, Comics und anderen Formen der Massenunterhaltung sind immer auch Vorstellungen davon eingebettet, wie die Mitglieder einer Gesellschaft ihr Leben führen sollten.

Die sozialen, politischen und wirtschaftlichen Umwälzungen dieser Zeit, verbunden mit Verbesserungen in der Massenkommunikation, machten populäre Figuren wie Superman zu idealen Trägern kultureller Propaganda.

Als Teil der amerikanischen Kultur ist Superman zugleich Kinder- und Erwachsenenphantasie, mythischer Held und Gott. Er verkörpert in der kollektiven Wahrnehmung die “bewundernswertesten” Eigenschaften des amerikanischen Charakters, steht aber bei näherer Betrachtung auch für viele Brüche und Neurosen der amerikanischen kulturellen und sozialen Psyche.

Die Welt lag in Trümmern, der Zweite Weltkrieg stand bevor. Die Menschen brauchten Helden. Superman war stark, klar, gerecht – das Gegenteil der unübersichtlichen Wirklichkeit. Ein Kind vom zerstörten Planeten Krypton, das auf der Erde ein Zuhause fand. Einer, der sein Anderssein zum Guten nutzte. In seinen Geschichten rettete er nicht nur Leben, er stand für Prinzipien. Wahrheit, Gerechtigkeit, und Hoffnung.

In der Nachkriegszeit eroberten Superman Comics, Radio, Zeichentrickfilme, Kinos und 1951 auch das Fernsehen. Die Serie “The Adventures of Superman” setzte sich durch und wurde die am zweithäufigsten ausgestrahlte Serie in der Geschichte des Mediums.

Die enorme Popularität der Fernsehserie spiegelte den Erfolg der Ikone in anderen Medien wider, allerdings ohne die Kontroversen, unter denen die Comicindustrie zu leiden hatte. Obwohl Superman als einer der “saubersten” Comic-Helden galt, wurde er, wie andere Comic-Helden auch, in der Nachkriegszeit von Eltern und Kinderpsychiatern heftig angegriffen.

Man machte sich große Sorgen darüber, dass Comics Kinder überall vor den Augen ihrer Eltern verderben könnten. Man befürchtete, dass Kinder sich verletzen könnten, wenn sie versuchten, wie ihr Lieblingsheld zu fliegen. Oder dass sie durch Comics sexuell pervers und gewalttätig würden.

Angesichts der unglaublich gewalttätigen Zeit, die in der Realität gerade zu Ende gegangen war, scheint es, dass die Sorge der Erwachsenen um die Kinder (verstärkt durch das Ideal einer intakten Familie in der Nachkriegszeit), gepaart mit Angst und Schuldgefühlen nach dem Krieg, auf die Comics projiziert wurde. Die Erwachsenen schienen unfähig, Gewalt in der Realität zu verhindern, aber sie konnten zumindest verhindern, dass ihre Kinder sie in Form von Comics konsumierten und erlebten.

Im Laufe der Jahrzehnte wurde Superman größer als seine Schöpfer. Er überlebte Kriege, Generationen, und Genrewechsel. In den 1970ern begann seine Menschlichkeit hervorzutreten. Er zweifelte, zögerte, war zerrissener als zuvor. Dann, 1992, geschah das Undenkbare: Superman starb. The Death of Superman zeigte ihn im tödlichen Kampf gegen das Monster Doomsday, und es war ein globales Medienereignis, das Fragen nach Vergänglichkeit und Heldenmut stellte.

Doch wie alle Mythen kehrte auch Superman zurück. Immer wieder. In Kingdom Come trat er gealtert, desillusioniert, aber mit ungebrochener Integrität auf. In Injustice wiederum wurde er zum Despoten – ein gebrochener Held, der sich selbst verlor. Die moderne Welt hat neue Fragen, neue Ängste, neue Moralvorstellungen – und Superman reagiert auf sie.

Was sich nie ändert, ist der Kern. Superman ist das Gute, das in uns steckt, wenn wir uns entscheiden, es zu leben. Er ist der Fremde, der nicht dazugehört, und trotzdem sein Leben für andere gibt. Vielleicht, weil er tief in sich weiß, was es heißt, allein zu sein.

Jerry Siegel und Joe Shuster, die beiden Jungen aus Cleveland, bekamen nie den Lohn, der ihnen zustand. Sie mussten Jahrzehnte kämpfen, um als offizielle Schöpfer anerkannt zu werden. Erst 1975, nach öffentlichem Protest, wurden ihre Namen in die Comics aufgenommen und ihnen eine kleine Rente zugesprochen. Doch was sie schufen, überstieg Geld und Ruhm. Es wurde ein Stück Weltkultur.

Die Idee von Superman als Golem und Moses

Die Idee von Superman selbst wird oft missverstanden. Viele denken, er sei Teil der Idee einer höher entwickelten Spezies. Aber in Wirklichkeit war er genau das Gegenteil. Sowohl Shuster als auch Siegel waren Juden, Söhne von Einwanderern, und Superman entlehnten sie der jüdischen Mythologie. Die Judenverfolgung in Deutschland stand ebenso Pate wie die Verhältnisse in der Sowjetunion und in Mussolinis Italien. Superman war der Retter, für den sie alle beteten, ein Held, der eintrat, um den Hilflosen zu helfen.

Siegel bekannte später:

“Was hat mich dazu bewogen, in den frühen 30er Jahren Superman zu erschaffen? Von der Vernichtung und der Abschlachtung hilfloser, unterdrückter Juden im nationalsozialistischen Deutschland zu hören und zu lesen… Filme zu sehen, in denen die Schrecken und die Entbehrungen der Unterdrückten gezeigt wurden. Ich hatte den großen Drang, den unterdrückten Massen irgendwie zu helfen. Aber wie konnte ich ihnen helfen, wenn ich mir selbst kaum helfen konnte? Superman war die Antwort.”

Die meisten Juden kennen die Geschichte des Golem, eines Mannes, der im 16. Jahrhundert von Rabbi Loew in Prag aus Schlamm geformt wurde. Loew hauchte der Kreatur durch hebräische Beschwörungsformeln Leben ein und sandte sie aus, um die Menschen zu beschützen. Superman hat eine ähnliche Funktion, auch wenn seine Geschichte etwas anders ist. In seiner Biographie finden sich nämlich auch Bezüge zur Geschichte von Moses.

Nach dem Buch Exodus wurde Moses von seiner besorgten Mutter am Ufer des Nils ausgesetzt, wo ihn die Tochter des Pharaos im Schilf fand. Und Superman wurde vom Planeten Krypton weggeschickt, weil seine Familie wollte, dass er überlebt. Und wie Moses, der sein Volk befreite, kämpft Superman für diejenigen, die nicht für sich selbst kämpfen können. Interessanterweise heißt er eigentlich Kal-El. Die hebräische Endung bedeutet “Gott”.

Superman wurde zum Symbol. Die Nazis hielten ihn für gefährlich, Joseph Goebbels schrieb in der SS-Zeitung Das Schwarze Korps, Siegel sei “geistig und körperlich verkrüppelt”.

Amerikas liebster Superheld ist ein Immigrant. Das hilft, seinen außergewöhnlichen Erfolg zu erklären, den er seit über 80 Jahren hat. Amerika ist eine Nation, die sich aus Menschen aus der ganzen Welt zusammensetzt, die ihre Ideen vermischen und so etwas Neues schaffen. Supermans doppelte Identität ist der Grund, warum er die amerikanische Kultur verkörpert. Er entkam den Gefahren seiner Heimat, integrierte sich in eine andere Kultur und traf dann die Entscheidung, denen, die ihn aufnahmen, Sicherheit zu geben und seine Kraft für das Gemeinwohl einzusetzen.

Wie sich der Jersey Devil in der Popkultur einen Namen gemacht hat

30. Juli 202614. Mai 2026 von Marie Robinson

Die Pine Barrens sind eine Million Hektar dichter Wälder, die sich über sieben Bezirke von New Jersey erstrecken. Das Gebiet steht unter staatlichem Schutz, und es wird sehr darauf geachtet, dass die Region so natürlich und ungestört wie möglich bleibt. Fast die Hälfte davon ist öffentliches Eigentum und ist in verschiedene Parks unterteilt, in denen man wandern und campen kann. Es gibt jedoch etwas, vor dem der Besucher gewarnt werden sollten, bevor er sich entschließt, die Nacht unter dem Blätterdach der Kiefern zu verbringen…

Die Legende vom Grand Guignol

30. Juli 202613. Mai 2026 von Olivia Rutigliano

Es gibt eine Legende über das schaurige Pariser Théâtre du Grand Guignol, die von der nicht zimperlichen, makabren Natur seiner Horrorstücke und blutigen Spezialeffekte zeugt. Einem Artikel der New York Times aus dem Jahr 1957 zufolge war es durchaus üblich, dass Zuschauer während der Aufführungen vor Schreck in Ohnmacht fielen (in der Vorkriegszeit waren es durchschnittlich zwei pro Abend). Als bei einer Aufführung ein Mann, der sich ein Gruselstück ansah, in Ohnmacht fiel, wurde der Hausarzt geholt. Es konnte jedoch kein Arzt gefunden werden. Als der bewusstlose Mann wieder zu sich kam, entschuldigten sich die Theatermitarbeiter dafür, dass sie ihren Hausarzt nicht auftreiben konnten. Der Mann erklärte müde: „Ich bin der Arzt“.

Das Grand Guignol, das von 1897 bis 1962 in Betrieb war, war eine Theaterinstitution, die eine Reihe von kurzen, provokativen Stücken aufführte: zwei bösartige, brutale Horrorspektakel mit blutigen Verstümmelungen und Morden und dann zwei extrem alberne komische Shows. Der Wechsel zwischen Horror und Komödie wurde als „douche écossaise“ (heiße und kalte Dusche) bezeichnet.

Hellboy – Ein echtes Höllenkind

2. August 202611. Mai 2026 von M.E.P.

Wenn man Mike Mignolas Hellboy nur aus den Spielfilmen kennt, kennt man nur einen Aspekt der Figur, die hier mit einem anderen Auge gesehen wird. Während der erste Film von 2004 noch Teile aus Saat der Zerstörung, Der Teufel erwacht und verschiedenen anderen Passagen der Storylines der Comics enthielt, ist die Fortsetzung Hellboy II: Die goldene Armee aus dem Jahr 2008 fast völlig unabhängig davon.

Der Anfang von Hellboy war nur ein Witz

Erschaffen hat die Figur der Autor und Künstler Mike Mignola. Sie erschien zum ersten Mal in der Ausgabe 2 der San Diego Comic-Con Comics (August 1993), veröffentlicht von Dark Horse Comics.

Tatsächlich aber hatte die erste Skizze, die für die Great Salt Lake Comic Con 1991 vorgestellt wurde, kaum etwas mit der heute berühmten Figur zu tun. Sie zeigt einen behaarten, fast höhlenmenschenartigen Dämon mit vier Hörnern, Flügeln und einer Krabbe und einem Fisch an seinen Gürtel. Auf dem Gürtel stehen die Worte „Hell Boy“. Mignola hielt nicht viel von dieser Skizze und tatsächlich war der Name für ihn nur ein Witz. In einem Interview sagte Mignola:

Larry Brent (Der erste Gruselkrimi)

28. Juli 202610. Mai 2026 von Annu Dasumal

issenschaftler standen Ende der 60er Jahre hoch im Kurs. Die Counter Culture, die aus Amerika herüberschwappte und ihre Spuren auch in Europa hinterließ, hatte außer Flower Power auch das Interesse am Okkulten mitgebracht. Die Manson-Family machte erste Schlagzeilen und bahnbrechende Horrorfilme wie „Rosemaries Baby“ und „Die Nacht der lebenden Toten“ eroberten die Kinos. Auch im Heftroman-Sektor war es Zeit für etwas Neues.

Das Grauen schleicht durch Bonnards Haus erschien als Silber–Krimi Nr. 747 im damaligen Zauberkreis-Verlag, der 1985 an Pabel verkauft und 1987 seine Pforten für immer schloss, und war in erster Instanz atmosphärisch und lag näher an der Gothic Novel – also am Schauerroman – als am Horror. Jürgen Grasmück alias Dan Shocker hat dann auch einen Begriff geprägt, der den “Horror” im Heftroman genau definiert und den es in keiner anderen Sprache gibt: Grusels; eine genuin deutsche Sprachleistung wie etwa das Wort “unheimlich”, das mit dem englischen “uncanny” zwar eine Annäherung an die Bedeutung des Begriffs erfährt, sie aber nicht präzise abdeckt. Natürlich steckt in der Pluralisierung Grusel – Grusels ein Fehler, der sozusagen bewusst die englische Pluralendung an ein deutsches Wort anhängt (ähnlich wie man das umgangssprachlich etwa bei “Dingens” macht). Eine Mehrzahl von Grusel gibt es nicht, nur der Genitiv (des Grusels) käme also in seiner korrekten Form mit einem “s” daher, ist hier aber natürlich nicht gemeint. Vergessen wir aber nicht, dass bis weit in die 70er Jahre hinein bereits eine merkliche Amerikanisierung der deutschen Sprache stattfand. Ein Mädchen hieß plötzlich “Girl”, das Wohnzimmer wurde “Living Room” genannt, man „steppte“ zur Seite und sprang nicht mehr, und so fort.