marvel comics – Die Veranda

Fünf Mal Peter Parker: Die großen Spider-Man-Serien im Vergleich

Amazing Spider-Man — Der Ursprung aller Dinge

Wer über Spider-Man-Serien sprechen oder schreiben möchte, kommt an Amazing Spider-Man nicht vorbei – dem Herzstück, aus dem alle anderen Geschichten rund um den beliebtesten Netzschwinger der Welt hervorgegangen sind. Im März 1963 erblickte die erste Ausgabe dieser Serie das Licht der Welt und folgte damit der bahnbrechenden Debütgeschichte aus Amazing Fantasy #15, die bereits im August 1962 erschienen war. Stan Lee und Steve Ditko schufen mit ihrer Zusammenarbeit nicht weniger als eine Revolution im amerikanischen Mainstream-Comic-Genre. Zum ersten Mal war ein Teenager nicht bloß der Sidekick eines erwachsenen Helden, sondern die zentrale Figur seiner eigenen Geschichte. Das mag aus heutiger Sicht selbstverständlich erscheinen, doch damals war es bahnbrechend. Superhelden waren bis dahin meist überlebensgroße Figuren – Erwachsene, Kriegsveteranen, Halbgötter. Und dann kam Peter Parker: ein unsicherer Teenager aus Queens, geprägt von seinem Alltag in der Highschool und dem tragischen Verlust seines Onkels – ein Verlust, den er sich selbst zuschreibt und dessen Schuld er sein Leben lang mit sich trägt. Dieser neue Ansatz veränderte 1963 nicht nur eine Comicserie, sondern das gesamte Genre.

Silver Surfer – Norrin Radd von Zenn-La

Jack Kirbys ungeplante Schöpfung und das größte kosmische Gewissen des Superheldengenres.

Ungeplant

Die Entstehung des Silver Surfer ist eine der schönsten Schöpfungsgeschichten des amerikanischen Comics, weil es nämlich keine gab. Jack Kirby zeichnete im Frühjahr 1966 die dreiteilige Galactus-Geschichte für Fantastic Four #48–50. Plötzlich, ohne Absprache mit Stan Lee und ohne entsprechende Anmerkung im Skript, erschien auf einer Seite eine neue Figur. Ein silberfarbenes, nacktes Wesen auf einem kosmischen Surfbrett, das durch die Sterne reitet und dem unvorstellbar mächtigen Galactus vorausgeht wie ein Herold dem König. Als Lee das fertige Artwork öffnete und die Figur sah, war er, nach eigener Aussage, sofort überwältigt.

Kirby erklärte später, dass der Herold als dramatisches Konzept notwendig war. Galactus brauchte jemanden, der seine Ankunft ankündigt und zwischen dem Kosmischen und dem Menschlichen vermittelt. Warum dieser Herold jedoch genau so aussah – also silbern, glatt, und ohne Gesicht im eigentlichen Sinne, auf einem Brett wie ein einsamer Surfer auf einem Ozean ohne Ufer, kam aus einer Intuition, die Kirby nicht in Worte fassen konnte. Es war das Bild, das einfach entstehen musste. Und es war von Anfang an mehr als nur eine Nebenfigur.

Spawn – Gegen Himmel und Hölle

Todd McFarlanes persönlichste Schöpfung ist zum Symbol einer Revolution geworden, die das amerikanische Comic für immer veränderte.

EIN TOTER SOLDAT kehrt aus der Hölle zurück

Die Ursprungsgeschichte von Spawn zeichnet sich durch eine besondere Art von Direktheit aus, die man sonst eher selten im Superhelden-Genre findet. Der Elitesoldat und CIA-Auftragsmörder Albert Francis Simmons wird von seinem eigenen Vorgesetzten umgebracht. Daraufhin landet er in der Hölle, wo er einen Pakt mit dem Teufel schließt, genauer gesagt mit Malebolgia, einem Fürsten aus Dantes Inferno. Schließlich kehrt er als Spawn mit einem lebenden, symbiotischen Necroplasma-Kostüm zurück zur Erde. Eigentlich wollte er seine Frau Wanda wiedersehen. Doch er findet eine Welt vor, die sich fünf Jahre ohne ihn weitergedreht hat. Wanda hat inzwischen seinen besten Freund Terry geheiratet. Und sein eigenes Gesicht ist zu einer verbrannten Maske geworden.

Brian Michael Bendis und die Revolution der Comicsprache

Über einen Autor, der dem amerikanischen Superheldencomic eine neue Sprache lehrte, die so prägend war, dass sie das Medium beinahe verschluckt hätte.

Cleveland und der Weg durch den Noir

Brian Michael Bendis wurde 1967 in Cleveland, Ohio, geboren, einer Stadt, die in der amerikanischen Kultur eine besondere Rolle spielt. Die älteste Industrieregion der USA, Nachkriegsverfall, das langsame Verschwinden wirtschaftlcher Gewissheiten, und gleichzeitig eine jüdische Gemeinschaft, deren Kulturleben eine eigene Dichte und Wärme besitzt. Man erkennt diese Herkunft in Bendis‘ Werk, genauso wie man sie in Stan Lees Tonfall oder Garth Ennis‘ nüchterner Art erkennt. Sie zeigt sich in der Bodenhaftung, im Sinn für das Konkrete und in der Abneigung gegen das Abstrakt-Heroische. All das hat Bendis‘ Zugang zum Superhelden-Genre von Beginn an geprägt.

Tom King und die Poetik des traumatisierten Helden

Ein Autor, der den Superheldenmythos weder dekonstruiert noch auf alte Gewohnheiten setzt, sondern durch ihn hindurchschaut wie durch ein beschädigtes Fenster.

Langley und die andere Art des Wissens

Bevor Tom King Comicautor wurde, war er CIA-Agent. Diese Tatsache wird in nahezu jeder Rezension seiner Werke erwähnt – und unterschätzt. Es ist verlockend, das als biografische Würze zu behandeln, als exotisches Detail, das die übliche Karriere des Comicautors, der im Keller sitzt, umgeben von Stapeln alter Hefte und davon träumt, selbst etwas zu erschaffen, erheblich aufpeppt. Wer Kings Werk aufmerksam liest, erkennt sofort: Diese Biografie ist das Fundament, auf dem all seine Themen mit dieser charakteristischen Tonlage basieren.

King wurde 1978 in Washington, D.C. geboren. Er studierte Englische Literatur an der Columbia University und trat nach den Terroranschlägen am 11. September 2001 in den Dienst der CIA ein – eine Entscheidung, die er selbst als Reaktion auf das Trauma jenes Tages beschreibt. Er arbeitete als Counterterrorism Operations Officer und war unter anderem im Irak und in Afghanistan stationiert. Seine Aufgaben beschrieb er in Interviews mit der typischen Mischung aus Offenheit und professioneller Auslassung. Er hat Menschen rekrutiert, Menschen gefährdet und Menschen verloren. Er operierte in Zonen, in denen die Grenzen zwischen Schutz und Schaden routiniert überschritten wurden. Diese Erfahrung ist zwar so nicht in die Sprache des Comics übertragbar, hinterlässt jedoch eine Art moralisches Grundrauschen in jedem Text, den King seither geschrieben hat.

Im Tempel des Spektakels: Todd McFarlane

Todd McFarlane ist alles in einem: Zeichner, Verleger, und erfolgreicher Unternehmer. Er ist der Mann, der den Superhelden besser verkaufte alles jeder andere und dabei etwas Bleibendes erschuf.

Calgary und die Energie des Außenseiters

Todd McFarlane wurde am 16. März 1961 in Calgary, Alberta, geboren und wuchs in Spokane, Washington, auf. Seine Kindheit zwischen dem kanadischen Westen und dem amerikanischen Nordwesten verlief fernab der kulturellen Zentren, in denen die amerikanische Comicgeschichte traditionell geschrieben wurde. McFarlanes stammt aus einer bodenständigen Mittelschicht, wo man sich durch harte Arbeit und nicht durch Träumereien zu beweisen hatte. In seiner Jugend war er ein leidenschaftlicher Baseballspieler und machte dabei eine Erfahrung, die seine spätere Karriere als Unternehmer und Innovator mehr prägte als jede kunsttheoretische Überlegung.

Stan Lee – Der Begründer des Traums

Über die Untrennbarkeit von Genie und Selbsterfindung im amerikanischen Comic

Die Bronx und die Geburt eines Namens

Stanley Martin Lieber wurde am 28. Dezember 1922 in New York City als Sohn jüdisch-rumänischer Einwanderer geboren, die sich mit bescheidenen Mitteln in der Bronx ein Leben aufbauten. Nach der Großen Depression fand sein Vater, ein Schneider, kaum noch regelmäßige Arbeit, was die Familie zwang, mehrfach umzuziehen, stets jedoch innerhalb desselben sozialen Milieus. Sie lebten in dicht besiedelten Mietskasernen, begleitet von der allgegenwärtigen Geräuschkulisse der Stadt und dem Bewusstsein, dass gesellschaftlicher Aufstieg zwar möglich, aber keineswegs garantiert war. Inmitten dieses Alltags entwickelte Lieber früh eine Leidenschaft für das Kino, für Literatur, für die Abenteuerfilme von Errol Flynn und für die Vorstellung, dass Geschichten Menschen zumindest kurzzeitig und auf fiktive Weise aus ihrem Alltag entrücken können. Für manche wurde und ist diese Flucht eine lebensnotwendigen Stütze.

Mit siebzehn begann Lieber seine Laufbahn als Assistent bei Timely Comics, einem kleinen Verlagshaus, das Comichefte produzierte – einem damals wenig angesehenen Medium, das sich seinen Platz zwischen Groschenromanen und Pulp-Magazinen erkämpfen musste. Zu Beginn brachte Lieber vor allem Kaffee, entfernte Tintenflecken und erledigte Botengänge. Dass er bald selbst als Autor tätig sein würde, verdankte er weniger seiner Erfahrung als der einfachen Tatsache, dass der Betrieb klein war und es einen ständigen Bedarf an neuen Inhalten gab. Seine erste veröffentlichte Geschichte, eine kurze Filler-Erzählung in einem Captain-America-Heft, erschien unter dem Pseudonym Stan Lee – ein Name, den er wählte, um seinen echten Namen für die große Literatur zu reservieren, die er eines Tages zu schreiben hoffte. Doch diese große Literatur entstand nie. Stattdessen blieb Stan Lee in der Welt der Comics – und wurde dort unsterblich.

Doctor Strange – Hüter der Realität

Ein Sturz in die Tiefe

Es gibt eine sehr kleine Kategorie von Comicfiguren, bei denen man sagen kann: Ohne eine bestimmte Persönlichkeit hinter dem Zeichentisch wäre die Figur buchstäblich undenkbar. Doctor Strange gehört eindeutig in diese Kategorie, und die Persönlichkeit ist Steve Ditko. Als Stan Lee und Ditko die Figur im Juli 1963 in Strange Tales #110 debütieren ließen, war das Marvel-Universum gerade dabei, sich mit einer Geschwindigkeit zu erfinden, die selbst Beteiligte später kaum fassen konnten. Innerhalb von drei Jahren hatte Jack Kirby die Fantastic Four, Thor und die New Gods mitaufgebaut, während Lee und Ditko den Spider-Man erschufen. Doctor Strange war ganz anders als die anderen. Leise, meditativ, wie ein Kammermusikstück inmitten der lauten Klänge einer Bigband-Ära.

Die Entstehungsgeschichte von Doctor Strange ist dabei so prägend, dass sie zu einem zeitlosen Archetyp wurde. Stephen Strange, ein brillanter, doch zutiefst selbstverliebter Neurochirurg, verliert bei einem Autounfall die Feinmotorik seiner Hände. Das Werkzeug seiner Identität, seiner Überlegenheit, seines Selbstverständnisses, alles war dahin. Was folgt, ist eine düstere Reise durch Verzweiflung, Ablehnung, zerschmetterte Hoffnungen und schließlich der Aufbruch nach Kamar-Taj. Dort begegnet er dem Uralten (Ancient One), der ihn durch einen tiefgreifenden Transformationsprozess führt. Und genau darin liegt die wahre Besonderheit von Doctor Strange. Sein Superhelden-Dasein resultiert aus einer bewussten inneren Wandlung, eines Moments der Kapitulation vor der eigenen Hybris. Strange muss sein Ego aufgeben, die Illusion von Kontrolle loslassen und mit der Erkenntnis leben lernen, dass nicht alles durch rationale Brillanz beherrscht werden kann. In dieser Hinsicht ist Doctor Strange auch ein Sinnbild für eine tiefmenschliche Reise hin zum Verständnis des eigenen Ichs und der Kräfte, die unseren Kosmos prägen.

Der Magier im Panoptikum: Grant Morrison

Herkunft und Kontext

Nur bei wenigen Comic-Künstlern ist die Verbindung zwischen Biografie und Werk so eng wie bei Grant Morrison. Geboren 1960 in Glasgow und aufgewachsen in der Donnelly Street in Bishopbriggs, einer schottischen Vorstadt geprägt von Arbeiterkultur, wurde Morrisons Fantasie von Beginn an durch ein doppeltes Bewusstsein geformt. Einerseits durch die alltägliche Realität der Industriestädte, andererseits durch die schillernden, kosmischen Welten amerikanischer Superhelden-Comics, die er geradezu verschlang. Dieser innere Gegensatz bildet das Fundament seiner kreativen Weltsicht.

Die britische Comicszene der frühen 1980er-Jahre, in der Morrison seine Fähigkeiten entwickelte, war von einer unvergleichlich pulsierenden Energie erfüllt. Mit dem Magazin 2000 AD als Inspirationsquelle und Alan Moore als dominierender kreativer Figur sah sich eine ganze Generation britischer Talente vor die Herausforderung gestellt, den Weg nach dem Dekonstruktivismus zu finden. Während Moore die Superhelden-Mythologie radikal zerlegte – wie etwa in Watchmen oder The Killing Joke –, nahm Morrison eine vollkommen entgegengesetzte Haltung ein. Er setzte auf eine Art feierliche Neubewertung des Altbekannten.e Art zeremonielle Neuweihe des Bekannten.

Dieser Ansatz war von zentraler Bedeutung. Schon früh erkannte Morrison einen vermeintlichen Irrtum in der Dekonstruktion des Superhelden: die Vorstellung, dass Komplexität zwangsläufig mit Entmythologisierung gleichzusetzen sei. Im Gegensatz dazu wollte Morrison beweisen, dass Mythologien in ihrer ursprünglichen, archetypischen Kraft eine tiefere Wahrheit transportieren – eine Wahrheit, die ihrer Entzauberung trotzt und gerade in ihrer Unmittelbarkeit eine universelle Bedeutung entfaltet.

Hulk – Der Mann, der nicht wütend sein darf

Der Hulk ist keineswegs einfach ein Superheld mit einem Wutproblem. Vielmehr verkörpert er ein Wutproblem, in dem ein Superheld steckt – eine Figur, die sich zu einer der tiefgründigsten Auseinandersetzungen mit männlicher Gewalt, Traumata und unterdrückten Emotionen im amerikanischen Mainstream-Comic entwickelt hat.

Im Mai 1962 wurde die erste Ausgabe von The Incredible Hulk veröffentlicht. Bereits auf der zweiten Seite begegnet den Lesern Bruce Banner: schüchtern, blass, mit gebeugter Haltung und in einen weißen Laborkittel gehüllt, der ihn kleiner und verletzlicher erscheinen lässt, als er tatsächlich ist. Wenige Seiten später, nach der Explosion der Gammabombe, tritt das „Andere“ zum ersten Mal in Erscheinung: massig und grau (die grüne Hautfarbe kam erst ab der zweiten Ausgabe), mit winzigen Augen und einer ursprünglichen, ungebändigten Wut, die jeglicher Sprache entbehrt. Diese erste Verwandlung ist bereits eine Konfrontation. Von Beginn an geht es hier um die zentrale Frage: Was geschieht mit einem Menschen, dem beigebracht wurde, seine Gefühle zu unterdrücken?

Stan Lee berichtete später, dass zwei Schlüsselwerke seine Inspiration für den Hulk waren: Robert Louis Stevensons Jekyll und Hyde und Mary Shelleys Frankenstein. Soweit stimmt das durchaus. Aber diese Erklärung greift zu kurz. Der Hulk ist kein bloßes literarisches Mash-up; er markiert auch einen Wendepunkt in der Geschichte des Superhelden-Comics. Denn erstmals kommt die Bedrohung nicht von außen, sondern aus dem Inneren, und sie manifestiert sich nicht als moralischer Fehler oder eine bewusste Wahl des Bösen wie bei typischen Schurkenfiguren. Stattdessen basiert sie auf einer psychologischen Notwendigkeit. Banner verwandelt sich in den Hulk, weil er keine andere Wahl hat. Sein Körper setzt das frei, was sein Verstand krampfhaft zu unterdrücken versucht.