Er ist das Aushängeschild der totalen Inkompetenz, das Gewissen der Redaktion und André Franquins anarchischste Schöpfung. Er ist der Mann, der das Büro zur Bühne des Absurden machte.
Der Bürotrottel, der alles andere als ein Trottel war
Am 28. Februar 1957 tauchte in dem belgischen Comicmagazin Spirou eine neue Figur auf, ohne vorherige Ankündigung oder Hintergrundgeschichte, fast beiläufig eingeführt. Ein junger Mann betritt ungeschickt und verschlafen eine Redaktion, mit zerzaustem Haar und einem Pullover, der nie richtig sitzt. Sein Name ist Gaston Lagaffe. Wie Franquin selbst es ausdrückte, ist er jemand, der aus Versehen eingestellt wurde und den niemand so recht loswerden kann.
Das war ein denkbar bescheidener Beginn für eine Figur, die das europäische Comic für immer prägen sollte. Ursprünglich hatte Franquin keine großen Pläne für Gaston. Er war als Lückenfüller gedacht, als kurze Episode in jenen Wochen, in denen der Hauptcomic aus welchen Gründen auch immer nicht fertiggestellt werden konnte. Doch was dann geschah, zählt zu den schönsten Zufallserfolgen der Comicgeschichte. Die Figur entfaltete sich über ihre ursprüngliche Rolle hinaus. Die Leser liebten sie. Und Franquin erkannte, dass er mit diesem Versager, diesem Antihelden par excellence, auf etwas gestoßen war, das er nirgendwo sonst ausdrücken konnte.
Als im Frühjahr 1994 der erste Band von Lanfeust de Troy bei den Éditions Soleil erschien, ahnte kaum jemand, dass sich hier ein neuer Meilenstein der frankobelgischen Fantasy anbahnte. Hinter dem Projekt stand Christophe Arleston (bürgerlich Christophe Pelinq), ein Autor, der zu diesem Zeitpunkt bereits Erfahrung als Journalist, Radiomacher und Szenarist gesammelt hatte, aber noch nach einer Erzählwelt suchte, die seine Vorliebe für Ironie und barocke Welten ausleben konnte. In Interviews auf französischen Plattformen wie ActuaBD und BDGest’ beschreibt Arleston, wie die Idee aus der Lektüre klassischer Sword-&-Sorcery-Abenteuer wuchs, die er mit dem Humor der frankobelgischen Schule und einem Schuss popkultureller Selbstironie verschmolz.
Lanfeust bei Splitter
Gemeinsam mit dem Zeichner Didier Tarquin entwickelte er die Welt Troy, ein Planet, auf dem jeder Mensch ein magisches Talent besitzt – vom banalen Wassererwärmen oder Juckreiz auslösen bis hin zu zerstörerischen Kräften. Die Prämisse, dass Magie alltäglich ist und nicht dem erhabenen Mythos, sondern den kleinen Schwächen und Eitelkeiten der Figuren dient, gab der Reihe ihr unverwechselbares Gepräge. Arleston sprach in einem Gespräch mit Le Monde von einer Demokratisierung des Wunderbaren, die es erlaubte, soziale und politische Satire in ein scheinbar eskapistisches Setting zu schmuggeln.
Die Titelfigur Lanfeust, ein junger Schmiedelehrling, wird in dieser Welt zum Spielball kosmischer Mächte, als er entdeckt, dass er Zugang zu unbegrenzter Magie hat – eine Ausnahme in einer Gesellschaft, die strikten Regeln folgt. Die Reise des Helden, begleitet von der kühnen Heilerin C’ian, dem schlitzohrigen Troll Hébus und anderen Weggefährten, ist eine klassische Quest und eine augenzwinkernde Parodie zugleich. Französische Kritiker hoben früh hervor, dass Arleston und Tarquin damit eine postmoderne Fantasy schufen: voller Action und Romantik, aber stets mit dem Bewusstsein, dass jedes Epos auch ein Spiel mit Klischees ist.
Der Stellenwert der Reihe lässt sich an ihrem anhaltenden Echo ablesen. Innerhalb weniger Jahre wuchs Lanfeust zu einem ganzen Kosmos an Spin-offs und Prequels (etwa die Trolle von Troy oder Lanfeust der Sterne), die nicht nur die Verkaufszahlen von Soleil explodieren ließen, sondern auch das französische Fantasy-Comic in den Mainstream führten. Fachzeitschriften wie BoDoï betonten, dass Lanfeust die letzte große populäre Saga der französischen Bande Dessinée sei, bevor die Globalisierung des Manga-Marktes neue Prioritäten setzte. Arleston selbst wurde zum Dreh- und Angelpunkt eines ganzen Autorenstudios (Atelier Arleston), aus dem Serien wie Die Schiffbrüchigen Ythaq oder Elixier hervorgingen.
Arleston
Christophe Arleston – sein Künstlername ist ein Anagramm aus „Arles“ und „ton“, eine Hommage an seine südfranzösische Herkunft – verstand sich nie als bloßer Erzähler von eskapistischen Geschichten. In Gesprächen mit France Culture betonte er, dass Humor und Gesellschaftskritik für ihn untrennbar verbunden seien. Lanfeusts Abenteuer sind damit auch Spiegelbilder einer Zeit, in der Fantasy eine neue Leserschaft erreichte: Leser, die neben heroischen Kämpfen auch die Ironie einer Welt genießen, in der Magie den Alltag regelt und dennoch nicht vor menschlicher Dummheit schützt.
So steht Lanfeust de Troy heute als Paradebeispiel dafür, wie die frankobelgische Bande Dessinée ihre eigenen Traditionen – von der klaren Ligne Claire bis zum anarchischen Humor eines Goscinny – in ein zeitgenössisches Fantasy-Universum überführen konnte. Die Serie ist nicht nur eine Abenteuergeschichte, sondern ein kulturelles Phänomen, das die französische Fantasy-Comiclandschaft entscheidend geprägt hat.
Über Geschichte, Ästhetik und Zukunft der frankobelgischen Comics
Einleitung: Der neunte Himmel
Es gibt eine Szene, die ich immer wieder erzähle, wenn mich jemand fragt, was an der Bande Dessinée so besonders ist. Im Jahr 1967 hängte das Musée des Arts Décoratifs in Paris erstmals Comics aus. Dabei handelte es sich um gerahmte Originalseiten aus Tintin-Alben, die mit derselben kuratorischen Ernsthaftigkeit behandelt wurden, wie man sie sonst Gemälden und Skulpturen vorbehält. In Amerika hätte man damals darüber gelacht. In Europa war es hingegen der konsequente nächste Schritt.
Der Begriff Bande Dessinée (wörtlich „gezeichneter Streifen“) bezeichnet das frankobelgische Comic als eigenständige Kunstform, die sich seit den 1920er Jahren in Frankreich und Belgien herausgebildet hat und heute in einer Weise zur kulturellen Identität beider Länder gehört, wie es in keiner anderen Region der Welt für Comics gilt. In Frankreich und Belgien ist die Bande Dessinée die „neunte Kunst“ – le neuvième art – und dieser Begriff, den weniger gebildete Menschen als Anmaßung betrachten könnten, ist ein kulturpolitischer Konsens. Architektur, Literatur, Theater, Musik, Tanz, Fotographie, bildende Kunst, Film, und eben die Bande Dessinée.
Die Figur des Spirou wurde erstmals 1938 von dem Künstler François Robert Velter (besser bekannt unter seinem Pseudonym „Rob-Vel“) gezeichnet. In dem phantasievollen ersten Comic läuft Spirou buchstäblich vom Blatt, als er auf eine Stellenanzeige als Page antwortet. (Im Laufe der Zeit wechselte Spirou den Beruf und wurde Reporter, aber seine kultige rote Pagenuniform legte er nie ab.) Velters Comics über Spirou und sein Eichhörnchen Pips konzentrierten sich im Allgemeinen auf alberne Gags und verzichteten auf ernsthafte Dramen. Sie erwiesen sich als recht populär, und der Verlag Dupuis bekundete Interesse, die Comics herauszugeben. Für die damalige Zeit ungewöhnlich, verkaufte Velter die Rechte an den Figuren, so dass seither andere Geschichten für Spirou schreiben und zeichnen konnten – und es auch taten! Bis heute haben sich mehr als 20 Autoren und Künstler daran versucht. Am bekanntesten sind André Franquin (der den Comic von 1947 bis 1969 führte) und das Team Philippe ‚Tome‘ Vandevelde und Jean-Richard.
Spirou: Die Goldene Ära unter Franquin
Als Franquin den Comic Ende der 1940er Jahre von Joseph („Jijé“) Gillain übernahm, begann er, längere Geschichten zu entwickeln. Jijé hatte die Figur von Spirous bestem Freund Fantasio eingeführt, aber Franquin erweiterte das Spirou-Universum beträchtlich. Neben dem aufbrausenden Fantasio führte er den exzentrischen Wissenschaftler Graf von Rummelsdorf, die abenteuerlustige Reporterin Steffani und – am bekanntesten – das langschwänzige, tigerähnliche Dschungeltier Marsupilami ein.
Nach 20 Comic-Alben (oder 21, je nachdem, wie man zählt) trennte sich Franquin 1969 von Spirou und Fantasio. Die beiden folgenden Epochen haben zwar ihre Fans, sind aber bei weitem nicht so beliebt wie die von Franquin. Jean-Claude Fournier, der die Nachfolge des Meisters antrat, versuchte, den Comic zu modernisieren, indem er in einigen Geschichten die Politik aus dem Hintergrund ins Zentrum rückte. Aber erst als Tome und Janry 1984 begannen, die Serie zu schreiben und zu illustrieren, erlebte der Comic eine Renaissance.
Pips, Spirou, Fantsio, und das Marsupilami
Spirou: Die silberne Ära
Die Comics von Tome/Janry sind zwar stark von Franquins Kunst und Geschichten beeinflusst, haben aber ihre eigene, unverwechselbare Persönlichkeit. Die Geschichten sind etwas kompakter (im Allgemeinen 45 Seiten statt der bei Franquin üblichen 65), und diese Comics haben eine gewisse Schärfe, die Franquins Werke nicht haben. Sie sind immer noch sehr unterhaltsam, aber schon ihr erstes Werk, Das geheimnisvolle Virus von 1984, befasst sich mit biologischer Kriegsführung, wenn auch auf komische Weise. Janrys Kunst steht eindeutig in der Tradition von Franquin, aber sie ist irgendwie „kratziger“ und besitzt eine gewisse Erdigkeit. Außerdem ist sie detaillierter als in den älteren Comics, mit liebevoll gestalteten Hintergründen.
Velter Spirou
In der Hauptserie entwickelten die Geschichten von Tome und Janry einen gewissen Biss. Mit der Zeit begannen sie, den Comic an seine Grenzen zu treiben, indem sie ungewöhnliche Erzähltechniken einsetzten und die Figuren in seltsame neue Situationen brachten. 1998 erschien Machine qui rêve („Jagd auf Spirou“), das heftig kritisiert wurde, weil es düster war und sich von den traditionellen Comics von Spirou und Fantasio unterschied. Autor und Zeichner beschlossen, sich aus der Serie zurückzuziehen und sich auf Young Spirou zu konzentrieren.
Kampf um Erfolg
Seither kämpft der Comic darum, die Qualität und Popularität seiner goldenen Ära unter Franquin und seiner silbernen Ära unter Tome und Janry wiederzuerlangen. Autoren und Zeichner haben ihr Bestes gegeben, aber keiner hat die Serie länger als fünf Titel geleitet.
Doch zurück zum goldenen Zeitalter von Spirou und Fantasio, dem Werk von Franquin. Leser, die mit Tim und Struppi aufgewachsen sind, werden an diesen Comic-Heften ihre helle Freude haben. Jeder Band erzählt eine relativ abgeschlossene Geschichte über die Abenteuer von Spirou und Fantasio. Jede Geschichte ist ein Wirbelwind von Spaß. Die Situationen sind phantasievoll. Die Figuren sind oft komisch, aber auf ihre überlebensgroße Art realistisch. Die Zeichnungen (im Ligne-Claire-Stil, der von Hergé, dem Erfinder von Tim und Struppi, eingeführt wurde) entführen den Leser in eine wunderbare Comicwelt.
Doch was passiert in Franquins Geschichten? Meistens geraten die beiden Protagonisten selbst oder einer ihrer Freunde in Schwierigkeiten (zum Beispiel wird ihr tierischer Freund, das Marsupilami, entführt oder jemand, der Fantasio zum Verwechseln ähnlich sieht, begeht ein Verbrechen) und müssen das Problem lösen. Dabei hilft ihnen oft der Graf von Rummelsdorf, eine Figur mit weißen Haaren, die ständig neue fantastische Erfindungen macht. Diese Erfindungen sind oft sehr phantasievoll und es macht Spaß zu sehen, wie sie in den Geschichten eingesetzt werden. Die Reporterin Steffani taucht gelegentlich auf und stiehlt, wenn sie denn auftaucht, jedem die Show. Fantasios Rivalität mit ihr ist urkomisch, und es ist schwer, sich nicht zu wünschen, dass sie ein festerer Bestandteil des Teams wäre, da sie nur in einer Handvoll von Franquins Geschichten vorkommt.
In einigen Geschichten werden die Konflikte durch die Handlungen der Protagonisten oder ihrer Freunde ausgelöst, z. B. wenn der Graf ein in der Tundra gefrorenes Dinosaurierei entdeckt und ausbrütet, was zu einer wilden Situation führt, in der ein Dinosaurier durch eine französische Kleinstadt stolpert.
Obwohl Spirou nicht von Franquin erfunden wurde, ist es kein Geheimnis, dass er die Figur mit etlichen weiteren Charakteren umgab und die Comics rund um den Pagen und seinen Freund Fantasio zu einem Klassiker der Franko-Belgischen Schule machte. Der Zauberer von Rummelsdorf stellt im Spirou-Kosmos auch gleich eine Revolution dar, denn es ist das erste große Abenteuer der beiden Helden.
Spirou und Fantasio beschließen, in der Nähe des kleinen Dorfes Champignac (das bei uns nun „Rummelsdorf“ heißt) zelten zu gehen. Durch die Übersetzung geht einerseits die Verniedlichung der Champagne verloren, die auch gleichzeitig eine Anspielung auf die Zauberpilze ist, mit denen wir es hier unter anderem zu tun bekommen. Trotzdem darf man mit „Rummelsdorf“ zufrieden sein, denn in klanglicher Hinsicht passt er natürlich besser in den Titel, als wenn irgendeine erzwungene Übersetzung hier versucht hätte, das Wortspiel zu retten.
Dort angekommen, entdecken sie Schweine in allen Farben und schwarzen Tupfen, Kühe, die plötzlich anfangen, ungenießbare Milch zu geben, und beschließen, einem Zigeuner zu helfen, der vom Bürgermeister von Rummelsdorf der Hexerei beschuldigt wird. Sie lernen auch den Grafen von Rummelsdorf kennen, eine exzentrische Person, die ein Schloss mit einem riesigen Park bewohnt. Es ist eine stimmungsvolle Anlehnung an Graf Dracula und den ländlichen Sujets von Agatha Christie, ohne dass dies etwa gleich augenfällig würde.
Eines Nachts wird Fantasio entführt. Spirou findet heraus, dass der Graf dafür verantwortlich ist, um sein Produkt X1 an ihm zu testen. Damit ist klar, dass er der Verantwortliche der Phänomene im gemütlichen Dorf ist. Denn irgendwie hat das alles mit den merkwürdigen Pilzen zu tun, die überall dort wachsen, wo etwas Sonderbares passiert ist.
„Bangebüchse“ als Referenz an Sugar Ray Robinson
Das Serum, das er X1 nennt, verleiht Fantasio übermenschliche Kräfte, doch die Wirkung hält nur etwa 36 Stunden an. Um die Bauern von Rummelsdorf für die Experimente an deren Tiere zu entschädigen, wendet der Graf das Produkt an sich selbst an, und reist zu verschiedenen Sportwettkämpfen, die er alle mühelos gewinnt und die jeweiligen Preisgelder einheimst.
Tatsächlich wird er von dem Kleinkriminellen Herkules entdeckt, in dessen Laden sich die Banditen Natan (der im Original Narcisse heißt, weil er stets vor einem Spiegel steht und sich die Augenbrauen zupft) und Valentino verstecken. Von dem Banditen verachtet, stiehlt Herkules X1 und X2, letzteres ein furchterregendes Mittel, das den Betreffenden in einer Stunde um siebzig Jahre altern lässt. Mit einer List sorgt er dafür, dass Valentino und Natan sich gegenseitig X2 spritzen, während er mit dem X1 im Blut Banken ausraubt. Spirou und Fantasio fangen ihn schließlich, als die Wirkung des Mittels nachlässt, während der Graf ein Heilmittel für X2 findet, das Natan und Valentino wieder in ihre Kindheit zurückversetzt. Irgendetwas geht bei ihm also immer schief, auch wenn die eingeschlagene Richtung stimmt.
Das Skript des Albums wurde von einem gewissen Jean Darc (in Wirklichkeit Henri Gillain, Lehrer und Bruder des Zeichners Jijé, der die Serie von 1943 bis 1946 übernahm) geschrieben, der sich bei der Gestaltung seines Rummelsdorf von seinem Heimatdorf in Luxemburg inspirieren ließ, während Franquin das Schloss Skeuvre in Natoye (Provinz Namur, Belgien) zum Vorbild nahm, um das Herrenhaus des Grafen zu entwerfen.
Man kann das große Talent von Franquin nicht übersehen, denn mit diesem ersten großen Abenteuer legt er die Grundlagen und die Nebenfiguren (z.B. der Bürgermeister, oder sein Beamter Federkiel…) und die Hauptfiguren (der Graf) einer Serie, die 53 (bald 54) Alben umfasst, ohne die Sonderausgaben zu zählen.
Die Genialität dieses Albums liegt sowohl in der originellen, magischen und stimmungsvollen Geschichte als auch in der Hervorhebung all dieser neuen Figuren, die man heute im Pantheon der europäischen Comics weiterhin gerne sieht.
„120, Rue de la Gare“ ist ein Roman von Léo Malet aus dem Jahr 1943. Hier stellt uns der Autor seine Figur Nestor Burma vor, die aus dem Wunsch entstand, einen hartgesottenen Detektiv nach amerikanischem Vorbild mit einem Hauch englischer Detektivgeschichten zu schaffen. Malet hatte nämlich unter dem englischen Pseudonym Frank Harding mit amerikanischen Figuren und Schauplätzen in den USA zu schreiben begonnen, bevor er auf die Idee kam, einen französischen Roman zu schreiben, der in Frankreich spielt und in dem französische Figuren auftreten.
In der Gesamtausgabe
Nestor Burmas kritische, ironische und mit Sarkasmus gespickte Äußerungen über Institutionen, Profiteure, Wohlhabende und die gesamte französische Gesellschaft der zweiten Nachkriegszeit decken sich zwar mit den säuerlichen, zynischen und desillusionierten Aussagen der großen Ermittler des amerikanischen Noir-Krimis. Burma ist jedoch nicht einfach ein französisierter Klon seiner Vorbilder(etwa von Sam Spade). Es ließ sich nicht vermeiden, dass viel von Malets eigener Persönlichkeit in die Figur Burmas einfloss (seine Unabhängigkeit, sein freies Reden, seine finanziellen Schwierigkeiten und seine Pfeife).
Aus diesem Grund nimmt „Nestor Burma einen privilegierten Platz in Léo Malets Werk ein: Was Malet selbst erlebt hat, hat er auf seinen Helden übertragen; was er selbst nicht erleben konnte oder wagte, hat er ihm ebenfalls zugestanden, wodurch die Figur zu seinem wahren Doppelgänger wurde. Obwohl er die Figur unsympathisch machen wollte, gibt Malet zu, dass ihm das nicht gelungen ist:
„Da ich, ohne es zu wollen, ein wenig von mir selbst einbringen musste, erschien er trotzdem sympathischer, als ich gedacht hätte.“
Es dauerte übrigens eine Weile, bis sich der Krimi seines innovativen Charakters bewusst wurde. Während der Besatzungszeit wurde das aus den USA importierte Genre im besetzten Frankreich zur Persona non grata. So wie der angelsächsische Film die Kinos nicht mehr füllte, verschwanden die amerikanischen Romane einfach aus den Schaufenstern der Buchhandlungen. Die deutsche Zensur griff durch und beendete die Sehnsucht nach den Ländern jenseits von Kanal und Atlantik. Aber die Leser, die diese Art von populärer Literatur gierig verfolgten, waren nicht mit dem Krieg verschwunden. Sie verlangten stillschweigend nach den Stereotypen des Genres: tropfnasse Trenchcoats mit Umlegekragen, dunkle Gesichter unter zerknitterten Stetsons, Zigaretten, Kaugummi und Femmes fatales in Seidenstrümpfen, Whisky on the rocks, Handfeuerwaffen, schweinische Charaktere und Heldentum in Ich-Form, Slang, sarkastischer und desillusionierter Humor … Action und Drama im Überfluss.
Malet eliminiert jedoch die englischen und amerikanischen Zutaten seiner Geschichte und konzentriert sich thematisch auf das besetzte Frankreich (der Weg Burmas in „120, Rue de la Gare“ beginnt in einem deutschen Stalag, geht weiter in die Freie Zone in Lyon und endet im besetzten Frankreich in Paris). Weniger angelsächsisch geht nicht.
Edition Moderne
Nestor Burma wird als der berühmte Detektiv vorgestellt, der die Agentur „Fiat Lux“ leitet. Der Leser hat also nicht unbedingt das Gefühl, das erste Abenteuer dieses Helden zu erleben, obwohl dies tatsächlich der Fall ist. Im Stalag lernt Nestor Burma einen seltsamen Mann kennen, der sein Gedächtnis verloren hat. Der Mann wurde während des Krieges mit verbrannten Füßen im Wald gefunden. Seitdem weiß er nicht mehr, wer er ist. Umso erstaunlicher ist es, dass er Burma seine letzten Worte in völliger Klarheit zuruft: „Sag Hélène, 120, Rue de la Gare!
Nach seiner Entlassung aus dem Stammlager will Nestor Burma nach Paris zurückkehren, doch als sein Zug in der Gare de Lyon hält, steht Colomer, ein ehemaliger Mitarbeiter seiner Detektei, auf dem Bahnsteig. Nestor ruft ihm aus dem Zugfenster zu, und Colomer eilt zu Burma, kann aber nur noch „120, Rue de la Gare“ rufen, bevor er erschossen wird, ohne dass man weiß, von wem.
Nestor Burma ist alles andere als ein Idiot. Zwei Menschen, die in ihrem Verhalten und ihrem Lebensort so weit voneinander entfernt sind wie der seltsame Gefangene und sein ehemaliger Partner, die sterben, nachdem sie die Adresse „120, Rue de la Gare“ ausgesprochen haben, das kann kein Zufall sein.
Léo Malet legt uns einen Roman vor, bei dem die Handlung nicht die Hauptqualität darstellt. Die eigentliche Stärke des Buches ist unbestreitbar das Charisma von Nestor Burma, und es ist verständlich, dass der Autor ihn viele Abenteuer erleben lassen wollte. Dennoch darf man im Laufe der Seiten nicht den Faden verlieren, muss sich an die Hinweise halten, die die falschen Fährten bis zur endgültigen Enthüllung nähren, muss sich an die anderen erinnern, an das, was sie tun, sagen oder nicht sagen. Hier spürt man den englischen Kriminalroman, der von den verschachtelten Details der laufenden Ermittlungen lebt. Gute Arbeit beim Aufbau des Puzzles, auch wenn die Zufälle manchmal nicht ganz glaubwürdig sind.
1988 adaptierte Tardi das Werk von Léo Malet in einem meisterhaften Comic von 190 Seiten. Wie nicht anders zu erwarten, lehnt sich seine Sicht des Werkes eng an die des Romans an. Wenn ein Zeichner eine bereits existierende literarische Vorlage auf dem Zeichenbrett hat, versucht er in der Regel, das Szenario, das er umsetzen will, so getreu wie möglich wiederzugeben. Es ist fast eine Frage der Ehre, eine Hommage an denjenigen, der alles geschaffen hat. Der von Malet entlehnte Text ertränkt die Panels in einer unumgänglichen Prosa. Tardi behält jedoch die Kontrolle über das Geschehen, indem er ein angemessenes Schwarzweiß, eine Palette von Grautönen und einen charakteristischen Strich vorgibt, der die Strenge des architektonischen Hintergrunds mit der heiteren Art kontrastiert, in der Gesichter und Mimiken in schnellen Strichen dargestellt werden, sowie mit der Sorgfalt, mit der die architektonische Wiedergabe der Gebäude von Lyon und Paris ausgeführt wird… Der Roman ist das Rohmaterial, aus dem der Zeichner schöpft und das er auf ein Minimum reduziert. Man hat den Eindruck von schwarz-weißen Postkarten der Epoche, in die sich imaginäre Figuren einfügen. Das ist großartig, das bewundert man.
Die Brücke im Nebel ist einer der Romane, in denen Léo Malet als sein Alter Ego Nestor Burma am meisten von sich selbst und seiner Jugend verarbeitete. Von seinen Erinnerungen an anarchistische Milieus getrieben, begibt sich der Detektiv zusammen mit einer jungen, schönen Zigeunerin auf die Suche nach dem Mörder eines seit langem bekannten Trödlers. Es handelt sich um einen der düstersten Romane Malets, in dem die Nostalgie nie zu kurz kommt.
Den Schauplatz an der Tolbiac-Brücke wiederzufinden, ist angesichts der Veränderungen, die das dreizehnte Arrondissement seit dem Bau der Bibliothèque François Mitterrand in den 1990er Jahren erfahren hat, eine Herausforderung. Es ist quasi ein neues Viertel am Ufer der Seine, das heute Universitäten, Wohnungen und Geschäfte beherbergt.
Eigentlich ist dem Kanon von Sherlock Holmes nichts mehr hinzuzufügen, vor allem auch, weil durch unzählige Filme und grauenhafte Weiterschreibungen mittlerweile ein recht dreckiges und unansehnliches Wasser entstanden ist. Es gab nach Arthur Conan Doyle nur wenige autorisierte Autoren, die sich diesem Kanon mit allem gebührenden Respekt näherten. Von allem anderen sollte man tunlichst die Finger lassen, wenn man sich wirklich für den Mythos interessiert.
Jetzt könnte man natürlich reflexartig auch das Werk von Luc Brunschwig, das von Cécil gezeichnet wurde als apokryphen Nonsense verwerfen, aber das wäre dann doch ein wenig verfrüht. Die Prämisse, die hier geboten wird, ist nämlich eine, die durchaus auch schon von den Sherlockians diskutiert wurde: Wie weit ging Sherlocks Kokainsucht? Was könnte daraus resultieren?
Die gewohnte Idylle: Mrs Hudson serviert Tee, Watson liest die Times und Sherlock sinniert mit seiner Pfeife am Fenster. (c) Jacoby & Stuart; Zeichnung: Cécil
Am 4. Mai 1891 verschwand Sherlock Holmes in den Reichenbachfällen und nahm Professor Moriarty, seinen größten Feind, mit in den Tod. Doch ist der große Detektiv wirklich tot? Wenn ja, warum lässt sein Bruder Mycroft die Baker Street 221b räumen und alle Akten verbrennen, an denen er in den letzten zwei Jahren gearbeitet hat? Warum enthält die Moriarty-Akte, die Inspektor Patterson vom Yard ausgehändigt wurde, nur leere Blätter? Je mehr Dr. Watson ermittelt, desto größer wird das Rätsel…
1959 schufen zwei Franzosen, der Autor René Goscinny und der Zeichner Albert Uderzo, eine legendäre Comic-Saga, die Jahrzehnte und Generationen überdauert hat: Asterix. Der Comic handelt von einem kleinen gallischen Dorf in Armorica im Jahr 50 v. Chr. (kurz nach der Eroberung durch die Römer), das den Kampf gegen die Invasoren nur dank eines von einem Druiden gebrauten Zaubertranks weiterführt, der jedem, der ihn trinkt, übermenschliche Kräfte verleiht. Die Hauptfiguren sind der Krieger Asterix und der Hinkelsteinlieferant Obelix, die vom Dorf beauftragt werden, die Pläne der Römer zu vereiteln oder jeden zu unterstützen, der um Hilfe gegen die römische Republik bittet.
Der gallische Krieg
Julius Cäsar führte erfolgreich einen Krieg, der als Gallischer Krieg bekannt wurde. Er dauerte mehrere Jahre. Das betroffene Gebiet in Gallien umfasste ganz Frankreich, erstreckte sich aber auch auf Deutschland, Luxemburg, Belgien, die Schweiz und sogar auf Teile Italiens. Den endgültigen Sieg errang Cäsar in der Stadt Alesia in Frankreich, wo der große belgische Heerführer Vercingetorix seine Waffen niederlegte und sich Cäsar zu Füßen warf. Die gallischen Kriege waren beendet. Cäsar hatte gesiegt. Endlich hatte er ganz Gallien erobert, den größten Teil dessen, was wir heute Europa nennen.
Ehapa
In der Welt von Asterix stellt sich die Frage: Was wäre, wenn ein Dorf an der Nordwestküste Frankreichs seine Freiheit bewahrt und sich niemals der römischen Armee unterworfen hätte? Das ist das Dorf, in dem Asterix und seine Freunde leben und das sie ständig verteidigen. (Oh, und in dieser Welt legt Vercingetorix Cäsar Schild und Schwert nicht höflich nieder, sondern wirft sie ihm mit voller Wucht auf die Füße. Das ist ein viel lustigeres Bild).
Sie haben mit Miraculix einen Druiden, der einen Zaubertrank herstellt, der dem Trinker für kurze Zeit Superkräfte verleiht. Die römische Armee, so gut sie auch sein mag, kann mit einer solchen Kraft nicht mithalten. Außerdem haben Asterix und Miraculix meist einen guten Plan, um den Römern ein Schnippchen zu schlagen.
Jeder Asterix-Band ist ein neues Abenteuer, das mit einer gehörigen Portion Komik erzählt wird. Es gibt einen starken Vaudeville-Einfluss, aber auch jede Menge Wortspiele, historische Anspielungen und ein feines Gespür für menschliche Schwächen, auf die sich die Geschichten oft auf überzogene Weise verlassen können.
Es gibt zwei Arten von Geschichten, die hier vorgetragen werden. In der ersten Form verschlägt es Asterix und seinen besten Kumpel Obelix auf eine Reise in ein anderes Land. Das ganze Buch dreht sich dann darum, was sie dort vorfinden und wie sie mit ihrem neuen Umfeld umgehen. Das Buch ist reichlich gespickt mit Anspielungen auf Land und Leute und macht sich über alle Klischees und Stereotypen des jeweiligen Landes lustig. Die andere Hälfte der Geschichten spielt im Dorf selbst, in der Regel bei der Verteidigung des Dorfes gegen Cäsars neuesten Plan, es endlich unter seine Fuchtel zu bekommen.
Die Grundlagen
Die Prämisse wird in einem mittlerweile zum Kult gewordenen Klappentext erklärt, mit dem jedes Buch beginnt:
Wir befinden uns im Jahre 50 v.Chr. Ganz Gallien ist von den Römern besetzt… Ganz Gallien? Nein! Ein von unbeugsamen Galliern bevölkertes Dorf hört nicht auf, dem Eindringling Widerstand zu leisten. Und das Leben ist nicht leicht für die römischen Legionäre, die als Besatzung in den befestigten Lagern Babaorum, Aquarium, Laudanum und Kleinbonum liegen…
Die tapferen Gallier können sich mit Hilfe ihres Zaubertranks gegen die Macht der römischen Republik (die zu diesem Zeitpunkt zumindest technisch noch kein Imperium ist) wehren.
Der Comic erschien erstmals 1959 in der französisch-belgischen Zeitschrift Pilote. Er trug den schlichten Titel Asterix der Gallier und folgte dem Titelhelden bei seinem Widerstand gegen den Versuch der Römer, sein Dorf endgültig zu erobern. Goscinny und Uderzo schufen gemeinsam 24 Bände. Zehn weitere Bände schrieb Uderzo mit merklichem Niveauverlust selbst. Natürlich war auch nach Uderzos Tod nicht Schluss. Diese Werke mögen eine Menge Leser begeistern, aber sie können nicht verleugnen, dass sie nur wie eine Nachahmung wirken.
Trotzdem sind alle (bisher) 40 Bände voller Humor, Slapstick, nationalen Stereotypen, Anachronismen, Wortspielen und reichlich lateinischen Sätzen.
Bereits im ersten Comic werden alle Grundkonzepte der Serie eingeführt: der Zaubertrank der Gallier, die ständige Frustration der Römer mit ihnen und die Hauptfiguren. Das sind vor allem Asterix selbst, sein bester Freund Obelix und der Druide Miraculix.
Ursprünglich wurde Asterix als barbarischer gallischer Krieger konzipiert, aber das hätte so nicht funktioniert, also wurde er zu einem Helden der List und Obelix erfunden, der die Kraft auf sich vereint, anstelle alles in einer einzigen Figur abzuhandeln. Der Zaubertrank von Miraculix verleiht Asterix enorme Kräfte, aber ohne ihn ist er auf seinen Verstand und seine Kühnheit angewiesen. Im Vergleich zu Obelix und den anderen Dorfbewohnern spielt er meist die Rolle des Draufgängers.
Der hünenhafte Obelix ist nur selten getrennt von Asterix zu sehen. Im ersten Comic spielt er nur eine relativ kleine Rolle, ab dem zweiten teilt er sich das Rampenlicht fast zu gleichen Teilen mit dem kleineren Gallier. Im Gegensatz zu Asterix muss Obelix den Zaubertrank nicht trinken, um extrem stark zu werden – er ist als Baby in einen Kessel gefallen, die Wirkung ist also dauerhaft. Daran werden wir in jedem Comic mindestens einmal erinnert.
Er unterscheidet sich von Asterix nicht nur durch seine Größe, sondern auch durch seine Persönlichkeit. Er ist einfältig, direkt und naiv. Seine beiden Lieblingsbeschäftigungen sind Kämpfen und Wildschweine vertilgen. Aber er ist immer bereit, Asterix in das neueste Abenteuer zu folgen und ihm das Denken zu überlassen. Seine Aufgabe ist es, Hinkelsteine zu behauen und auszuliefern – es ist ein Running Gag, dass niemand weiß, wofür sie eigentlich da sind. Oft trägt er einen Hinkelstein bei sich und benutzt ihn als Waffe, Rammbock oder ähnliches.
Idefix, der kleine weiße Hund von Obelix, gehört ebenfalls zu den Hauptfiguren. Er taucht zum ersten Mal als visueller Witz in Tour de France auf. Er folgt dem Hauptduo, als sie durch ganz Gallien fahren (eine Anspielung auf die Tour de France), ohne einen Laut von sich zu geben oder die Aufmerksamkeit der Helden zu erregen. Erst als sie ins Dorf zurückkehrten, kündigte er seine Anwesenheit durch Bellen an. Die Leser mochten ihn, und so beschlossen Goscinny und Uderzo, ihn zum ständigen Begleiter von Obelix zu machen. Idefix ist ein kluger Hund, wenn auch nicht so klug, wie Obelix es gerne hätte.
Und dann ist da noch Miraculix, der Druide. Sein Wissen über den Zaubertrank ist die Prämisse des Comics. Er ist der Einzige, der ihn kennt, denn er wird von einem Druiden zum anderen weitergegeben. Wenn er nicht verfügbar ist oder den Trank nicht brauen kann und die Römer versuchen, den Trank zu stehlen oder Miraculix von der Bildfläche verschwinden zu lassen, kommt es zu zahlreichen Intrigen. Das Rezept für den Zaubertrank ist für die Leser ebenso geheim wie für die Figuren – was Goscinny und Uderzo erlaubt, so ziemlich alles als notwendige Zutat einzuführen. Dazu gehören auch Fisch und Petroleum.
Auch sonst ist Miraculix ein weiser und erfahrener Mann. Asterix betrachtet ihn als seinen Mentor und er ist vielleicht der einzige Mensch, den die widerspenstigen gallischen Dorfbewohner wirklich respektieren und auf den sie hören.
Der Häuptling des Dorfes ist – so sehr er sich auch bemüht – kein solcher Mensch. Majestix taucht zwar in der ersten Folge auf, aber wie der Rest des Dorfes braucht auch er eine Weile, um in seine Rolle hineinzuwachsen. Am Anfang ist er eine ziemlich typische Autoritätsperson, die Asterix und Obelix auf Missionen schickt. Später wird er zu einem Mann, dessen Ehrgeiz seine tatsächlichen Fähigkeiten bei weitem übersteigt. Seine Dorfbewohner machen meist ihr eigenes Ding und beachten ihn nur gelegentlich, seine Frau hat ihn unter der Fuchtel… und die beiden Krieger, die ihn auf seinem Schild tragen, lassen ihn mit deprimierender Regelmäßigkeit fallen.
Zu den anderen Persönlichkeiten des Dorfes gehört der Barde Troubadix. Er ist ein schrecklicher Sänger, aber er weiß es nicht. Seine Auftritte drehen sich meist darum, dass er zu singen versucht und die Gallier nichts davon wissen wollen, obwohl er in einigen Abenteuern eine größere Rolle spielt. Manchmal scheint es, als sei er ein passabler Musiker – aber es ist seine Stimme, die den Tieren Angst macht. Verleihnix ist der Fischhändler des Dorfes, dessen Ware das Haltbarkeitsdatum eigentlich immer überschritten hat. Aber man sollte es ihm nicht unbedingt sagen. Automatix, der Schmied, tut genau das genüsslich regelmäßig. Das führt oft zu Raufereien (die im Dorf ohnehin ein beliebter Zeitvertreib sind).
Die meisten Figuren außerhalb des gallischen Dorfes tauchen nur ein- oder zweimal auf. Die römischen Soldaten, die die Lager besetzen, wechseln jedes Mal, und das konstanteste Gesicht Roms ist Julius Cäsar selbst. Der vermeintliche Herrscher Roms ist der Feind der Gallier, wird aber mit viel mehr Respekt behandelt als die anderen Römer. Uderzo zeichnet ihn auch viel realistischer, und Goscinny schreibt ihn eher nach der Legende als nach der Geschichte. Er ist ein Mann der Ehre, der sein Wort hält. Er stellt sich nur selten direkt gegen die Gallier.
Die am häufigsten vorkommenden Figuren außerhalb des gallischen Dorfes sind jedoch die Piraten. Sie tauchen zum ersten Mal in Asterix der Gladiator auf, dem vierten Band der Serie. Stets planen sie, ein Schiff zu entern und zu plündern, auf dem dummerweise Asterix und Obelix per Anhalter unterwegs sind. Das endet immer damit, dass sie selbst immer auf unterschiedliche Weise versenkt werden.
Éditions Albert René
Die Piraten sind eigentlich eine Anspielung auf Der rote Korsar, eine französische Comicserie. Die drei „wichtigsten“ Mitglieder der Piratencrew – ein rotbärtiger Kapitän, ein alter, holzbeiniger Pirat und ein afrikanischer Späher – wurde direkt aus dieser Serie übernommen.
Doch neben den großartigen Figuren sind es vor allem der einzigartige Humor und der Sinn für Komik, die Asterix wirklich glänzen lassen. Goscinny und Uderzo beherrschen die Kunst des Wortspiels, der Satire und der historischen Anspielungen mit bemerkenswertem Geschick. Ironische Dialoge und komische Situationen verleihen der Geschichte eine besondere Dimension. Asterix ist nicht nur Unterhaltung, sondern auch eine Hommage an den Reichtum von Kultur und Geschichte. Die Abenteuer des gallischen Dorfes sind eine Entdeckungsreise durch die verschiedenen Facetten der Gesellschaft und der historischen Ereignisse. Die Serie behandelt tiefgründige Themen wie den erbitterten Widerstand gegen die römischen Invasoren und den unermüdlichen Kampf für die Freiheit. Diese Elemente werden in Geschichten voller epischer Abenteuer entwickelt! Neben den komischen Kämpfen gegen die Römer vermittelt Asterix durch seine Figuren zeitlose Werte. Aufrichtige Freundschaft, Mut, Loyalität und das Ertragen von Widrigkeiten sind Werte, die auf jeder Seite vermittelt werden. Asterix ist mehr als nur ein Comic, er ist ein humorvolles und intelligentes Spiegelbild der Vergangenheit und der Gegenwart geworden, ein Spiegelbild der menschlichen Komplexität und unseres ewigen Strebens nach Freiheit und Gerechtigkeit.
Im Pantheon der Comic-Helden gibt es nur wenige, die sich einer so anhaltenden Popularität und eines so großen Einflusses rühmen können wie Tim, der im belgischen Original Tintin heißt.
Aber es ist nicht nur seine kulturelle Bedeutung, die Tintin so langlebig macht. Es ist seine universelle Anziehungskraft. Tims Abenteuer führen ihn um die ganze Welt, von den Tiefen des Amazonas-Regenwaldes bis zu den eisigen Weiten der Arktis. Er ist ein Held, der nationale Grenzen überwindet, und seine Geschichten sind heute noch genauso aktuell wie bei ihrer Erstveröffentlichung vor fast einem Jahrhundert.
Vom Pfadfinder zu Tim und Struppi
Der Schöpfer von Tim und Struppi war natürlich Hergé. Sein richtiger Name war Georges Remi: Sein Pseudonym leitet sich von der französischen Aussprache seiner Initialen RG in umgekehrter Reihenfolge ab. Er wurde 1907 in Etterbeek geboren und war gerade 21 Jahre alt, als er Tim und Struppi erfand, der am 10. Januar 1929 in Le Petit Vingtième, der wöchentlichen Jugendbeilage der belgischen Tageszeitung Le Vingtième Siècle, debütierte.
Hergé mit seiner Schöpfung
Wie viele andere Autoren schien Hergé in seinem jugendlichen, kühnen und weltreisenden Protagonisten die Erfüllung eines Traums zu sehen. Und obwohl er Tim und Struppi in so jungen Jahren auf den Markt brachte, gab es bereits Vorläufer des furchtlosen Abenteurers.
Im Alter von 18 Jahren schuf Hergé den belgischen Pfadfinderführer Totor, der in Texas in verrückte Abenteuer verwickelt wird. Die Serie erschien drei Jahre lang in der Pfadfinderzeitschrift Le Boy Scout Belge.
Totor ist zwar grob gezeichnet, enthält aber Schlüsselelemente, die später für Tim und Struppi bestimmend sein werden. Da ist die Form von Totor, der klare Umriss und das einfache Gesicht. Es gibt einen Wechsel von Untertiteln unter den Panels zu Sprechblasen. Und dann ist da die Figur: Tim verdankt seine Handlungen und seine Einstellung tatsächlich den Pfadfindern. Hergé selbst trat im Alter von 12 Jahren den Pfadfindern bei und nahm an Sommerlagern in Italien, der Schweiz, Österreich und Spanien teil, wo er sogar Hunderte von Kilometern durch die Pyrenäen und Dolomiten wanderte.
Hergé ließ sich von zahlreichen Quellen inspirieren, darunter Abenteuerromane wie Die Schatzinsel von Robert Louis Stevenson und Huckleberry Finn von Mark Twain. Sein Vorstoß in die Welt der Comics wurde jedoch durch das aufkommende Medium Film beflügelt. Von den Zeichentrickfilmen, die Walt Disney zu Beginn der 1920er Jahre erfand, bis hin zum komödiantischen Genie von Pionieren wie Charlie Chaplin und Buster Keaton hinterließ Hollywood einen unauslöschlichen Eindruck auf den jungen belgischen Künstler.
Ligne claire
Hergé arbeitete zunächst als Angestellter, dann als Illustrator bei Le Vingtième Siècle. Diese Zeitung war nicht nur konservativ und katholisch, sondern oft auch faschistisch und antisemitisch. Ihr Herausgeber, der Abbé Norbert Wallez, bewahrte auf seinem Schreibtisch ein signiertes Foto von Benito Mussolini auf, dem Führer der italienischen Faschisten. Als Hergé Tintin auf den Markt bringen wollte, wollte er ihn für sein erstes Abenteuer nach Amerika schicken, wo er in die Fußstapfen von Totor treten sollte, aber Wallez bestand darauf, dass er in die Sowjetunion reisen sollte, wo er die Kommunisten als grausame Gangster entlarven sollte.
Totor
Der Comic, aus dem später das Album Tim und Struppi im Land der Sowjets wurde, war ein sofortiger Erfolg. Die Leser waren begeistert von den Abenteuern, die Hergé mit viel Humor und Charakteren ausstattete – nicht zuletzt mit Tims klugem und treuem Foxterrier.
Sie wurden in einem Stil illustriert, den Hergé als Pionier der „ligne claire“ bezeichnete: einfache, fast gleichmäßig dicke Linien ohne Schattierungen. Seine Technik, ein klares Bild mit robusten, universellen Elementen zu schaffen, verlieh seinen Werken einen unverwechselbaren visuellen Stil und beeinflusste spätere Zeichner wie den Asterix-Zeichner Uderzo und Peyo von den Schlümpfen.
Hergé war auch ein Meister des Tempos und der Erzählstruktur. Er verstand es, die Möglichkeiten des Mediums Comic voll auszuschöpfen, indem er Geschichten schuf, die nahtlos von Panel zu Panel und von Seite zu Seite übergingen. Seine Fähigkeit, komplexe Handlungen und vielschichtige Charaktere zu entwickeln, setzt bis heute Maßstäbe für das Medium.
Haddock, Tim, Struppi
Schon bald wurde Tintin an andere Brennpunkte der Zeit geschickt, von Al Capones Chicago bis zum japanisch besetzten China. Die frühen Alben – Tim und Struppi im Kongo, Tim und Struppi in Amerika und Die Zigarren des Pharao – zeigen Hergés Talent, lebendige, fantasievolle Welten zu erschaffen.
Tim und seine Freunde reisen weit und treffen unterwegs auf verschiedene Kulturen, Sprachen und Sitten. Hergé war bekannt für seine akribischen Recherchen. Wie Jules Verne verließ Hergé nur selten seinen Schreibtisch, aber er machte aus seinem Protagonisten einen Weltenbummler, der Kulturen kennenlernte, die sein Schöpfer nur aus Büchern und Zeitschriften kannte.
Unzählige Stunden verbrachte er mit dem Studium von Geschichte, Geographie und Naturwissenschaften, um seine Geschichten so realistisch wie möglich zu gestalten. Seine Liebe zum Detail erstreckte sich auf jeden Aspekt seiner Arbeit, von der Kleidung seiner Figuren bis hin zur Architektur der Gebäude, die sie besuchen. So ist zum Beispiel die Rakete, mit der Tim zum Mond fliegt, minutiös gezeichnet. Die vielen Fahrzeuge, die Tintin benutzt – Autos, Flugzeuge, Schiffe, Züge und Panzer – sind exakte Abbilder der damaligen Zeit. Und selbst Szenen wie die Inkas in Gefangene der Sonne stammen aus zuverlässigen Quellen wie der Zeitschrift National Geographic.
Tim verkörpert das Ideal eines jungen Helden: mutig, einfallsreich, mit tadellosen Manieren und immer bereit, für das Richtige einzustehen. Ob er gegen Bösewichte kämpft, Schmuggler überlistet oder einfach nur exotische Länder erkundet, er ist eine Figur, zu der die Leser aufschauen und die sie bewundern können.
Ewig und heilig
Schulz und Schultze
Die Comic-Strips und Alben von Tim und Struppi erschienen über ein halbes Jahrhundert lang, aber Hergé behauptete, dass sein Held immer gerade 18 Jahre alt war. Eigentlich war er Reporter, aber es scheint, als hätte er nie Termine oder Redakteure gehabt. Im ganzen Werk gibt es nur eine einzige Szene, in der er einen Bericht abgibt. Trotzdem wird Tim wegen seiner scheinbar unbegrenzten Reisemöglichkeiten manchmal als Schutzpatron der Journalisten angesehen.
Im Laufe der Alben sammelte Tim Freunde an. Zu seinem Gefolge gehörten der griesgrämige Seemann Kapitän Haddock, der exzentrische Professor Balduin Bienlein , die tollpatschigen Detektiv-Doppelgänger Schulz und Schultze mit ihren Bowlerhüten und die eingebildete Operndiva Bianca Castafiore. Seine Abenteuer wurden immer komplexer, vom Drogenschmuggel über Spionage im Kalten Krieg bis hin zur Raumfahrt. Tim erreichte den Mond 15 Jahre vor Neil Armstrong.
Die Kritiker
Trotz ihrer Popularität sind die Geschichten von Tim und Struppi nicht unumstritten. Einige Kritiker warfen Hergé Rassismus und kulturelle Unsensibilität vor und verwiesen auf Elemente der frühen Geschichten wie die karikierende Darstellung afrikanischer Stammesangehöriger in Tim im Kongo (obwohl dieses Album in Afrika besonders populär ist).
Später wurde Hergé als Kriegskollaborateur verhaftet, weil er weiterhin Karikaturen für die Zeitung Le Soir zeichnete, die während des Zweiten Weltkriegs von den Nazi-Besatzern kontrolliert wurde. Er verbrachte eine Nacht im Gefängnis, aber seine Akte wurde schließlich ohne Anklage geschlossen. Dennoch verfolgten ihn Gerüchte und Anschuldigungen sein Leben lang.
Nachwirkung
Hergé starb 1983, kurz nachdem er mit einem neuen Buch begonnen hatte – Tim und die Alpha-Kunst -, in dem es um eine Verschwörung zwischen moderner Kunst und einem religiösen Kult geht. Es ist unklar, wohin die Handlung geführt hätte, da Hergé nur einige wenige Seiten skizzieren konnte – und er sagte ausdrücklich, dass die Tim und Struppi-Serie mit seinem Tod enden würde.
Heute wehrt sich die Hergé-Stiftung dagegen, Tintin als Comic zu bezeichnen, da es sich ihrer Meinung nach um etwas Kunstvolleres und Originelleres handelt.
Doch auch hundert Jahre später ist die Popularität dieser Comics ungebrochen. Von den 23 abgeschlossenen Bänden, die zwischen 1929 und 1976 erschienen, sollen weltweit mehr als 250 Millionen Exemplare verkauft worden sein (die Hergé-Stiftung weigert sich, genaue Zahlen zu nennen). Auch die Tintin-Industrie ruht sich nicht auf ihren Lorbeeren aus, sondern bereitet sich darauf vor, ihr Angebot für die nächste Generation zu aktualisieren.
Inhalte, Illustrationen, dargestellte Bilder & Fotos sind urheberrechtlich geschützte Werke ihrer jeweiligen Eigentümer*innen.
