Helden, Versager und andere Ikonen

Selina Kyle schleicht seit achtzig Jahren durch Seiten und die Frage nach Gut und Böse ist noch immer unbeantwortet.

Die Diebin, die von Anfang an mehr war

Catwoman betrat im Frühling 1940 in Batman #1 erstmals die Bühne, damals jedoch nicht unter ihrem allseits bekannten Namen Catwoman; sie hieß da noch schlicht „The Cat“ und war eine anonyme Diebin, die auf einem Luxusdampfer Batman und Robin ein kostbares Juwel stahl und entwischte. Mit dieser Figur schufen Bob Kane und Bill Finger im selben Heft, in dem auch der Joker sein Debüt feierte, einen Charakter von solcher Faszination, dass sie problemlos die Aufmerksamkeit des gesamten Heftes auf sich zog.

Bemerkenswert ist vor allem, dass The Cat erfolgreich entkam. Sie wurde weder besiegt noch verhaftet oder mit einer moralischen Lektion konfrontiert. Batman ließ sie ziehen, vermutlich, weil er von Anfang an eine gewisse Sympathie für sie empfand. Das war 1940, in der zweiten Ausgabe mit Batman und in einem Genre, das zu dieser Zeit stark auf klare moralische Unterscheidungen setzte. Doch hier erschien eine Schurkin, die das Spiel für sich entschied, und ein Held, der dies akzeptierte. Es war eine der kühnsten und revolutionärsten Einführungen in der Geschichte der Comics.

Bill Finger & Bob Kane

Die Urheberschaftsfrage rund um Catwoman spiegelt dieselbe Problematik bei Batman wider. Über viele Jahrzehnte wurde Bob Kane als alleiniger Schöpfer genannt, während Bill Finger, der maßgeblich für die konzeptuelle Gestaltung verantwortlich war, keine Anerkennung erhielt. Finger prägte entscheidende Elemente wie den Namen „Gotham City“, das Design von Batmans Kostüm und die tiefgründige Psychologie der Figur. Erst im Jahr 2015, über 40 Jahre nach Fingers Tod im Jahr 1974, würdigte DC offiziell seinen Beitrag. Catwoman steht daher ebenfalls für eine Geschichte, die einmal mehr von institutioneller Ungerechtigkeit geprägt ist.

Fingers Geschichte ist für das Verständnis von Catwoman von zentraler Bedeutung, da sie die Bedingungen beleuchtet, unter denen diese Figur geschaffen wurde. In der frühen Comicbranche herrschte ein System, das kreative Arbeit systematisch enteignete. Jene, die die Verträge besaßen, verdrängten die wahren Ideengeber. Catwoman, eine Figur, die stiehlt und damit die bestehende Eigentumsordnung infrage stellt, entstammt einem Umfeld, in dem Finger selbst Opfer solcher Praktiken wurde – sein geistiges Eigentum wurde ihm genommen. Es wäre zu weit hergeholt, dies als bewusste Allegorie zu interpretieren. Als unbewusste Ironie jedoch wiegt es schwer und verleiht der Geschichte eine tiefere Ebene.

Acht Jahrzehnte Verwandlung

Kaum eine andere Figur hat im Laufe ihrer Geschichte so viele Kostümwechsel durchlaufen wie Catwoman. Jedes ihrer Outfits spiegelt dabei einen Aspekt ihrer Persönlichkeit wider. Das Kleid aus den 1940er-Jahren symbolisiert, dass sie unbemerkt in der Menge verschwindet, wenn ihr danach ist. Der Latex-Anzug der 1990er unterstreicht, wie sie ihre Erscheinung als Waffe einsetzt. Die Schutzbrille aus dem Brubaker-Run wiederum zeigt sie als professionelle Diebin. Bei Catwoman ist das Kostüm ein Ausdruck ihres Selbst, auch wenn sie damit im Grunde immer die Aufmerksamkeit auf sich zieht.

Eine besondere Erwähnung verdient Julie Newmar, die Catwoman 1966 in der Batman-Fernsehserie verkörperte. Sie schuf etwas, das die Comics bis dahin nur angedeutet hatten: eine vielschichtige Figur mit Humor, sinnlicher Selbstsicherheit und einer Intelligenz, die der Batmans ebenbürtig war. Newmar verstand intuitiv, was die besten Autoren von Catwoman erst Jahre später vollständig zu Papier bringen sollten. Diese Frau setzt dieselben Waffen ein wie ihr berühmtester Gegenspieler, verfolgt dabei jedoch völlig andere Ziele.

Zwölf Jahre Schweigen

Kaum ein Beispiel verdeutlicht die Absurdität des Comics Code Authority besser als der Umgang mit Catwoman. Die 1954 während der Wertham-Panik ins Leben gerufene Zensurinstanz der Comicindustrie legte fest, dass Kriminelle in Comics weder verherrlicht noch ihre Taten ungestraft bleiben durften. Catwoman, die an ihren diebischen Umtrieben sichtbar Freude hatte und dabei immer wieder entkam, fiel dieser Regelung sofort zum Opfer.

Von 1954 bis 1966 verschwand die Figur dadurch vollständig aus den regulären Veröffentlichungen von DC Comics, ganze zwölf Jahre lang. Eine der spannendsten Persönlichkeiten des Batman-Universums wurde eliminiert, weil sie nicht mit den vorherrschenden moralischen Vorstellungen vereinbar war. Erst die berühmte Batman-Fernsehserie holte sie zurück. Die Produzenten benötigten eine zentrale weibliche Gegenspielerin, und Julie Newmar hauchte der Figur im Studio neues Leben ein, nachdem sie in den Comics verdrängt worden war.

Dieses zwölfjährige Exil zeigt unmissverständlich: Catwoman ist eine Charakterfigur, die die Grundprinzipien des Genres – das Dogma, dass Verbrechen zwingend zu sühnen sei – tiefgreifend infrage stellt. Sie wurde verbannt, weil es keine Lösung für die Provokation gab, die sie verkörperte.

Die großartigste Catwoman-Geschichte ist politisch

Ed Brubakers legendärer Catwoman-Run, der 2001 mit Darwyn Cookes Neuinterpretation der Figur begann, gehört zu den reifsten und durchdachtesten Geschichten, die je über Selina Kyle erzählt wurden. Der Grund dafür liegt in einer simplen Entscheidung. Brubaker gab Catwoman ein Zuhause, und nicht irgendeins. Sie kehrt ins East End zurück, in das ärmste Viertel Gothams, und macht es zu ihrem Rückzugsort wie auch zu ihrem Schutzgebiet.

Diese Entscheidung mag auf den ersten Blick rein fiktional erscheinen, doch sie hat eine tief politische Dimension. Während Batman als Wächter über ganz Gotham City erhaben ist, also jener Metropole der Reichen, des mächtigen Finanzsektors und der kulturellen Elite , schlägt Selina ihre Zelte in einem Bezirk auf, der jene beherbergt, die sonst von Batmans Fokus ausgeschlossen bleiben: Sexarbeiterinnen, Obdachlose, Einwanderer und viele andere, die am unteren Ende der gesellschaftlichen Leiter stehen. Indem sie sich diesen Menschen verpflichtet fühlt und deren Schutz übernimmt, formuliert Catwoman ein stilles, aber kraftvolles Statement über soziale Ungleichheit, Eigentumsverhältnisse und die offensichtlichen Grenzen eines bürgerlichen Heldentums, das sich mehr um teure Juwelen sorgt als um den täglichen Überlebenskampf der Vergessenen und Unsichtbaren.

Brubaker transportierte diese Themen in einer unverwechselbaren Erzählweise, die an die düsteren Tonlagen des klassischen Crime Noir erinnert – schnörkellos und intensiv, aber ohne belehrend zu wirken. Darwyn Cookes Zeichnungen verliehen diesem Ansatz die ästhetische Finesse: mit einer Stilistik, die von den klaren Linien der 1950er-Jahre inspiriert war und doch zugleich eine subtile Dekonstruktion der klassischen Bildsprache vollzog. Gemeinsam schufen Brubaker und Cooke eine Catwoman-Version, die uns deshalb interessiert, weil sie die konkrete soziale Realität berührt.

Die älteste erotische Spannung im Superhelden-Comic

Die Beziehung zwischen Batman und Catwoman gehört zu den längsten und vielschichtigsten romantischen Spannungen im Superhelden-Comic. Seit 1940 umkreisen sie sich gegenseitig mit einer Anziehungskraft, die beide zugleich suchen und auch vermeiden wollen. Es liegt auf der Hand, warum diese Spannung nie vollständig aufgelöst werden kann; gerade deshalb wird sie auch nie langweilig.

Es ist die unterschiedliche Natur ihrer Überzeugungen, die diese Beziehung so bemerkenswert macht. Batman setzt auf Gesetze und Systeme, um Gotham durch Gerechtigkeit zu verbessern. Selina Kyle hingegen vertraut auf Menschen, individuelle Fälle und die flexible Auffassung von Eigentum in einer ungerechten Welt. Ihre Liebe reicht über diese philosophische Trennlinie hinweg, doch keine der beiden Seiten ist bereit, sie zu überschreiten. Denn das würde bedeuten, ihre Identität aufzugeben.

Batman und Catwoman sind solange ein Paar geblieben, weil beide dasselbe Ziel verfolgen: eine bessere Welt für Gotham. Allerdings sind sie grundsätzlich uneinig über das Aussehen dieser Welt.

Tom Kings Herangehensweise an diese Beziehung in seinem Batman-Zyklus (2016–2019) zählt zu den am meisten ambitionierten Kapiteln dieser Geschichte. King behandelte ihre Verlobung als ernsthaften Erzählstrang und stellte die Frage: Können zwei Liebende zusammenleben, wenn ihre Identitäten die Beziehung an sich unmöglich machen? Die Antwort des Zyklus war, dass die Hochzeit scheiterte, da Batman der Meinung war, nur als gebrochener Mann ein echter Held sein zu können. Diese Lösung war umstritten, doch sie war auch ehrlich.

Newmar, Pfeiffer, Hathaway: drei Interpretationen, eine Figur, viele Facetten

Catwoman hat dank Julie Newmar, Michelle Pfeiffer und Anne Hathaway über die Jahrzehnte hinweg eine bewundernswerte Vielschichtigkeit erhalten. Jede von ihnen hat diesen Charakter in Film und Fernsehen einzigartig verkörpert und dabei vollkommen unterschiedliche Ansätze gewählt. Und doch bleibt eins stets gleich: ihr gemeinsamer Draht zu einer tieferliegenden Wahrheit dieser komplexen Antiheldin.

Julie Newmar setzte 1966 in der kultigen Batman-Serie Maßstäbe, indem sie Catwoman mit einer Mischung aus Ironie, Intellekt und selbstbestimmter Sexualität darstellte. In einer Ära, in der Frauenrollen oft nur dekorativ waren, wirkte ihre Interpretation wie ein Aufbrechen erstarrter Muster. Das war für das prüde US-Fernsehen eine kleine Revolution.

Ein ganz anderes Licht auf die Figur warf Michelle Pfeiffer in Tim Burtons Batman Returns von 1992. Diese Catwoman war durch persönliches Trauma gezeichnet, ihre Transformation in die katzenhafte Heldin ein kraftvoller Bruch mit der Realität. Schon ihr aus Verzweiflung selbstgenähtes Kostüm erzählte eine eigene Geschichte. Dunkel, schmerzvoll und tief verwurzelt in der Ästhetik der Gothic Novel, trat sie weit über die klassischen Grenzen des Superhelden-Comics hinaus. Mit ihrer Darstellung als gebrochene, aber vielschichtige Figur fand Pfeiffer in Burtons düster-poetischer Welt genau den Raum, den sie brauchte, um Catwoman neu zu definieren.

Anne Hathaway schließlich brachte in Christopher Nolans The Dark Knight Rises (2012) einen völlig anderen Ansatz mit. Ihre Selina Kyle war bodenständig und geerdet, ein Produkt sozialer Ungerechtigkeiten und voller Klassenbewusstsein. Ihre Moral war pragmatisch und zielgerichtet, mehr inspiriert durch die sozialkritische Note eines Autors wie Ed Brubaker als durch die Fantastik eines Tim Burton. Es war eine Catwoman ohne Schnörkel, klug und durchtrieben, die genau wusste, wie diese dunkle Welt funktioniert und wer für ihr Chaos verantwortlich ist.

Ob verspielt, tragisch oder hochgradig realistisch, jede dieser Interpretationen hat ihren Teil dazu beigetragen, Catwoman als eine der großartigsten Charaktere des Batman-Universums zu etablieren. Drei Darstellungen, drei Perspektiven, und doch schimmern durch all diese Varianten immer wieder die Essenz und die unverwechselbare Vielschichtigkeit dieser Figur hindurch.

Die Figur, die das Genre herausfordert

Seit nunmehr achtzig Jahren fungiert Catwoman als moralischer Gegenpol im Batman-Universum. Sie ist jene Figur, deren bloße Existenz die grundlegenden Annahmen des Genres hinterfragt, das auf der Vorstellung basiert, es gäbe eine klare Trennlinie zwischen Gut und Böse. Ebenso wird vorausgesetzt, dass die Ordnung, für die sie kämpfen, grundsätzlich erstrebenswert ist. Catwoman jedoch stellt all dies in Frage. Sie nimmt von den Reichen, die ihren Wohlstand meist auf fragwürdige Weise erlangt haben. Sie schützt diejenigen, die vom System übersehen oder benachteiligt werden. Und sie liebt einen Mann, der die bestehende Ordnung repräsentiert, lehnt es jedoch ab, diese Ordnung auch für sich selbst zu akzeptieren.

Genau das macht sie zur bedeutendsten Nebenfigur in Batmans Welt und – in ihren schillerndsten Momenten – sogar zu einer noch besseren Protagonistin. Während Batman von Anfang an fest in seiner Identität verankert ist, steht Selina Kyle bei jeder neuen Geschichte erneut vor existenziellen Fragen: Wer bin ich? Nach wessen Regeln handle ich? Diese Fragen bleiben unbeantwortet und sollen es auch bleiben. Eine Catwoman, die eine endgültige Antwort findet, wäre schlicht keine Catwoman mehr.

Die Diebin, die nie gefasst wurde

Selina Kyle entkam erstmals im Jahr 1940 und seitdem konnte sie jedem Versuch, sie auf ein festgelegtes Bild zu reduzieren, geschickt entwischen. Sie ist eine Meisterin der Subversion und entzieht sich hartnäckig jeder Erzählung, die versucht, ihr eine eindeutige Identität aufzudrängen. Das ist ihre wahre Superkraft. Es sind weder die Peitsche noch ihre akrobatischen Fähigkeiten oder ihr Talent als Diebin. Es ist ihre unvergleichliche Fähigkeit, keine greifbare Form anzunehmen, sich einer festen Definition zu entziehen.

Bill Finger, der vermutlich der kreative Kopf hinter der Figur war, hätte diese Charaktereigenschaft womöglich verstanden. Selina ist die Verkörperung des Widerstands gegen ein System, das sie vereinnahmen möchte.

Gotham mag Batman brauchen. Aber jede gute Geschichte braucht Catwoman. Denn ohne sie würde Batman niemals wirklich begreifen, welchen inneren und äußeren Kampf er eigentlich führt.

Eine Tochter sucht ihren Vater und findet sich selbst

Zatanna gilt als eine kleine Sensation, und das aus gutem Grund. Ihr Erfolg beruht auf einem originellen erzählerischen Kniff, den Autor Gardner Fox 1964 in Hawkman #4 einsetzte. Ihr Debüt markierte den Auftakt einer mehrteiligen Suche, die sie quer durch das gesamte DC-Universum führte und sich über mehrere Serien und Ausgaben erstreckte. Für die damalige Zeit war das eine bahnbrechende Idee. Obwohl es bereits Crossover gab, war die Vorstellung, dass ein Charakter gezielt in anderen Comics auftauchte, um jemanden zu suchen, eine mutige Innovation, die das Genre der Superhelden-Comics auf eine neue Ebene hob.

Aber wen suchte Zatanna? Nun, ihren Vater, Giovanni Zatara, der bereits eine Ikone im DC-Universum war. Dieser Bühnenmagier, der jedoch echte magische Kräfte besaß, war seit den späten 1930er Jahren ein fester Bestandteil der Comics, war jedoch spurlos verschwunden. Zatanna begab sich auf eine abenteuerliche Reise, zog von Heft zu Heft und wandte sich an verschiedene Helden wie Batman, Atom, Green Lantern und Elastoman, um Unterstützung zu erhalten. Schließlich fand sie ihren Vater 1967 in Justice League of America #51 wieder. Dieser Moment war zugleich der Höhepunkt ihrer Eingliederung in die Gemeinschaft der DC-Helden, aber das Ende ihrer Suche war es nicht.

Die Art und Weise dieser groß angelegten Suche prägte ihre Figur von Anfang an. Zatanna wurde als jemand vorgestellt, der vor keiner Herausforderung zurückschreckt und keine Grenzen kennt, wenn es darum geht, das zu finden, was für sie von Bedeutung ist.

Familiengeschichte

Giovanni Zatara trat erstmals 1938 in Action Comics #1 auf, demselben Heft, in dem auch Superman sein Debüt feierte. Dadurch ist Zatanna die Tochter einer Figur, die wortwörtlich am selben Tag wie Superman ihren ersten Auftritt in der Welt der Comics hatte. Diese Verbindung gibt ihr eine besondere Bedeutung im Stammbaum des DC-Universums, da sie eng mit dessen Ursprüngen verknüpft ist.

Ein Erbe aus dem Goldenen Zeitalter

Gardner Fox gilt als eine der tragischen Gestalten der Comicgeschichte. Über die Jahre verfasste er Hunderte von Comics für DC, erschuf Charaktere, die heute enorme Werte in Milliardenhöhe repräsentieren, und erhielt dafür weder eine angemessene Entlohnung noch Ansprüche auf eine Rente. Als DC in den 1960er-Jahren damit begann, erfahrene Veteranen schrittweise durch neue Talente zu ersetzen, war Fox einer der ersten, die das Unternehmen verlassen mussten. Zatanna war sein letztes Vermächtnis, eine Figur, die er bis ins Detail ausgearbeitet zurückließ.

Murphy Andersons visuelles Konzept für Zatanna zeigte eine beeindruckende Beständigkeit. Der Frack und der Zylinder entwickelten sich zum unverkennbaren Markenzeichen der Figur. Selbst wenn spätere Autoren Anpassungen an ihrem Kostüm vornahmen, fiel man immer wieder auf diesen ikonischen Look zurück. Er ist nicht nur überaus auffällig und ästhetisch, sondern vermittelt auch eine starke Botschaft: Diese Frau ist eine Künstlerin, die weiß, dass Magie und Theater untrennbar miteinander verbunden sind. Sie weigert sich, so zu tun, als ob das Übernatürliche unsichtbar wäre.

Sdrow detrevni – eine Grammatik der Macht

Zatanna nutzt eine einzigartige Form der Magie: Sie spricht rückwärts. Dies ist das zentrale Merkmal, das sie auszeichnet. Ein einfaches „Erif“ lässt Flammen entstehen (Fire). „Etaerc a llaw“ (Create a Wall) zieht eine Mauer hoch. Ihre umgekehrte Sprache dient ihr als magischer Zauberstab, ein Artefakt, mit dem sie ihre Macht manifestiert. Ähnlich wie bei Etrigans Vorliebe für gereimte Sprache lohnt es sich auch hier, diese eigenwillige Fähigkeit als ein konzeptionelles Ausdrucksmittel zu betrachten.

Beispiel · Zatannas Sprache

„Nrub!“ – Burn.
„Yltnelis peek mih.“ – Keep him silently.
„Etativel.“ – Levitate.

Rückwärts zu sprechen verwirrt das gewohnte Verständnis von Sprache, indem es die Ordnung der Buchstaben und Laute umkehrt. Es ist wie ein kleines Experiment mit den Bausteinen unserer Realität: Alles bleibt gleich, aber die Reihenfolge wird auf den Kopf gestellt. Genau dieses Konzept liegt der westlichen Idee von Magie zugrunde und ist weniger ein Bruch der Naturgesetze, sondern ein Perspektivwechsel, der die Wirklichkeit aus einem ungewöhnlichen Blickwinkel zeigt. Zatanna verkörpert dieses Prinzip perfekt. Sie ist einerseits eine Magierin im klassischen Sinn, aber auch eine Sprachkünstlerin, die das Unmögliche in Worte fasst.

Diese Mechanik zeigt, dass Sprache nur aus Konventionen besteht. Wenn Zatanna ein einfaches „Erif!“ ausruft und plötzlich Flammen in Erscheinung treten, erinnert uns das daran, dass Worte nur dann Bedeutung haben, wenn wir ihnen diese zuschreiben. Dreht man sie um, verändert sich ihr Gehalt – die Magie liegt also nicht in den Wörtern selbst, sondern in unserer Wahrnehmung. Natürlich war diese tiefergehende Idee vermutlich nicht das Hauptziel von Zatannas Erfindern im Jahr 1964. Aber die besten Köpfe, die später an ihrer Geschichte arbeiteten, nutzten diese Konzepttiefe kunstvoll aus..

Giovanni Zatara – Schatten und Fundament

Ein Essay über Zatanna kommt nicht ohne eine Auseinandersetzung mit der Figur ihres Vaters aus, denn Giovanni Zatara bildet das zentrale Fundament für ihre Charakterisierung. Als Magier des Goldenen Zeitalters verkörperte Zatara pure Macht und moralische Reinheit. Mit seinen rückwärts gesprochenen Zaubersprüchen besiegte er Schurken und strahlte die nahezu makellose Tugend einer Zeit aus, in der Helden noch als frei von inneren Konflikten dargestellt wurden.

Zatanna ist in jeder Hinsicht die Tochter ihres Vaters; sie hat seine magischen Fähigkeiten, seinen Stil und seine Bühnenpräsenz geerbt. Doch im Gegensatz zu ihm gehört sie einer Ära an, die von ihren Figuren mehr verlangt als nur noble Gesten. Die stärksten Erzählungen über Zatanna sind jene, die ihren Vater nicht nostalgisch verherrlichen. Stattdessen stellen sie grundlegende Fragen: Wie fühlt es sich an, in den Fußstapfen eines Menschen zu stehen, dessen Moralverständnis einfacher war als das eigene? Und was tut man, wenn man das Vermächtnis einer Person zwar liebt, es aber dennoch als unzureichend empfindet?

Mit Zataras Tod in Alan Moores Swamp Thing #50 wurde diesen Fragen eine greifbare Dringlichkeit verliehen. Während einer Seance verlor Zatanna ihren Vater, als eine Attacke finsterer Mächte ursprünglich auf sie abzielte. Zatara jedoch nahm den Fluch auf sich, um seine Tochter zu schützen. Seitdem begleitet sie die Abwesenheit ihres Vaters wie ein unsichtbarer Schatten, der sie fortwährend prägt.

Das gelöschte Gedächtnis

Im Jahr 2004 rüttelte Brad Meltzers Identity Crisis das DC-Universum auf eine Weise durch, die bis heute nachhallt. Zatanna stand dabei im Mittelpunkt eines der moralisch brisantesten Momente dieser Geschichte. Es kam ans Licht, dass die Justice League in der Vergangenheit wiederholt magische Eingriffe genutzt hatte, um das Gedächtnis von Schurken zu löschen und damit ihre geheimen Identitäten zu schützen. Diejenige, die diese heikle Aufgabe ausführte, war Zatanna. Doch der wahre Schock folgte später. Sie hatte dasselbe auch bei Batman getan, ohne sein Wissen und ohne seine Zustimmung.

Dieser Moment markiert eine seltene Episode von wirklicher moralischer Schwere in der Comic-Geschichte, bei der es keine einfache Antwort gibt. Zatanna handelte aus Sorge um das Wohl der Gruppe, die Sicherheit der Helden und ihre Lebensgrundlagen. Doch dabei überschritt sie eine entscheidende Grenze, die in einer Welt voller grenzenloser Kräfte von fundamentaler Bedeutung ist. Diese Grenze zieht die Linie zwischen Fürsorge und Manipulation, zwischen Schutz und Bevormundung.

Durch Identity Crisis entwickelte sich Zatanna weiter: Von einer bis dahin makellosen Heldin wurde sie zu einer Charakterfigur mit Ecken und Kanten, deren Handlungen nicht mehr frei von Schuld waren. Dieser Wandel leitet ihre Reifung ein und verleiht ihrer Geschichte neue Tiefe.

Seit diesem Vorfall hegt Batman ein tiefes Misstrauen ihr gegenüber – ein Thema, das in späteren Erzählungen wiederholt aufgegriffen wird. Solche Konsequenzen schaffen die Grundlage für spannende Geschichten, wie beispielsweise in Paul Dinis Solo-Serie von 2010–2011. Dort wurde gezeigt, wie Zatanna gelernt hat, mit der Last ihrer Entscheidungen zu leben, auch wenn diese von anderen nicht immer sofort verstanden wurden.

Der Autor, der sie wirklich verstand

Paul Dini nimmt in der Geschichte von Zatanna eine Rolle ein, die vergleichbar ist mit Neil Gaiman für Poison Ivy oder Alan Moore für Etrigan. Er ist der Autor, der das volle Potenzial der Figur erkannt und ausgeschöpft hat. Seine Beziehung zu Zatanna wird dabei von einer spürbaren persönlichen Wärme getragen, die in Comics nur selten so intensiv zum Ausdruck kommt. In Interviews hat Dini offen erklärt, dass Zatanna schon seit seiner Kindheit zu seinen Lieblingsfiguren zählt.

In ihrer Soloserie von 2010 porträtierte Dini Zatanna als vielschichtigen Charakter: Als Bühnenkünstlerin widmet sie sich ihren Zaubershows mit Ernsthaftigkeit. Als Tochter setzt sie sich mit ihrer nicht abgeschlossenen Beziehung zu ihrem Vater auseinander. Als Magierin bekämpft sie in San Francisco lokale mystische Bedrohungen, und als Freundin zeigt sie sich als Mensch mit Fehlern, verborgen hinter der schillernden Fassade ihres Fracks. Auf den ersten Blick erscheint dieses Konzept für eine Figur mit nahezu grenzenlosen Möglichkeiten überraschend bodenständig. Doch auf den zweiten Blick wird klar, dass genau dieser Ansatz unverzichtbar ist. Zatanna bleibt spannend, indem sie in ihrer Erdung fest verankert bleibt.

Anekdote

Im Jahr 2007 heiratete Dini die Zauberkünstlerin Misty Lee, die seitdem als Synchronsprecherin von Zatanna in zahlreichen Animationsserien und Videospielen tätig ist. Diese Verbindung aus realem Leben und fiktiver Welt lässt die Grenzen zwischen Autor, Figur und Wirklichkeit verschwimmen. Man könnte es als charmantes Detail oder als spannende Reflexion deuten. Misty Lees Stimme verleiht Zatanna eine warme, präzise und zugleich leicht selbstironische Note – genau der richtige Klang, um die Essenz der Figur einzufangen.

Theater, Femininität und die Würde der Unterhaltung

Zatanna nimmt im Superhelden-Genre eine besondere Stellung ein, da sie die einzige namhafte Heldin ist, die ihre Identität als Bühnenkünstlerin in den Mittelpunkt stellt. Während die meisten Helden ihre herausragenden Fähigkeiten hinter einer unauffälligen Fassade des Alltags verbergen, macht Zatanna das Außergewöhnliche zur öffentlichen Schau. Sie vereint die Rollen einer Entertainerin und einer Retterin und demonstriert, dass diese beiden Aspekte nicht zwingend im Widerspruch zueinander stehen müssen, auch wenn das Genre selbst lange gebraucht hat, um dies anzuerkennen.

Ihr charakteristisches Erscheinungsbild mit Frack und Zylinder verkörpert in diesem Sinne ein stilles, unbewusstes politisches Statement. Diese Kleidung symbolisiert die Verbindung von Magie und Kunst und verdeutlicht, dass auch Kunst ernst genommen werden sollte. Wer auf hohem Niveau unterhält, leistet einen essenziellen Beitrag. In einem Genre, das traditionell eher physische Kraft und Gewalt betont als Eleganz und Sprache, stellt Zatannas Auftreten eine leise, aber wirkungsvolle Subversion dar.

Ihre Rolle innerhalb der Justice League Dark – zusammen mit Figuren wie Wonder Woman, John Constantine, Swamp Thing, Detective Chimp, Deadman und anderen aus der magischen Ecke des Universums – zeigt, dass sie am besten in einem Ensemble aufgehoben ist, das die düsteren, übernatürlichen Bereiche der Superheldenwelt erforscht. Dort befasst man sich mit Kräften jenseits menschlicher Kontrolle. In dieser Gruppe ist sie weder die mächtigste noch die erfahrenste, doch oft erweist sie sich als die bodenständigste und vernünftigste. Ihre besondere Stärke liegt in ihrer Fähigkeit, sowohl eine tiefe Verbindung zur menschlichen als auch zur mystischen Seite zu halten.

Der Vorhang fällt und hebt sich wieder

Zatanna ist eine Figur, die sechs Jahrzehnte gebraucht hat, um ihre ganze Strahlkraft zu entfalten. Mit einer Eleganz, die eng mit ihrem Wesen verbunden ist, hat sie diesen Werdegang durchlebt. Vom Crossover-Gimmick des Silbernen Zeitalters zur vielschichtigen, moralisch herausfordernden Zauberin des modernen DC-Universums – ihre Entwicklung mag nicht linear verlaufen sein, doch der Weg ging stets bergauf.

Was sie in der ersten Reihe der DC-Charaktere hält, ist weniger ihre bloße Stärke als vielmehr ihr Umgang mit Macht. Sie ist mächtig genug, um sich den schwierigen Fragen zu stellen: Wie nutzt man Magie und überschreitet dabei Grenzen, ohne selbst grenzenlos zu werden? Wie schützt man das, was einem wichtig ist, ohne es zu dominieren? Und wie macht man aus einem geerbten Vermächtnis ein eigenes Leben?

Bereits 1964 ließ Gardner Fox diese Fragen anklingen, als er eine Tochter auf die Suche nach ihrem Vater schickte. Diese Suche dauert an, doch inzwischen weiß Zatanna, dass die größte Entdeckung sie selbst ist.

Wonder Woman spiegelt die Ängste, Sehnsüchte und feministischen Hoffnungen Amerikas wider. Eine ikonische Figur, erschaffen von einem Mann, der mit zwei Frauen zusammenlebte, ausgestattet mit einem Lasso und einer tief verwurzelten Überzeugung.

Es gibt eine Szene im ersten Wonder-Woman-Comic von 1942, die man nicht vergisst, wenn man sie einmal gesehen hat: Eine Frau im Sternenbanner-Bikini und mit roten Stiefeln schleudert einen Nazi-Panzer durch die Luft, als wäre es Spielzeug, und lächelt dabei. Es ist ein breites, kindliches Strahlen, das echte Freude an der eigenen Stärke ausdrückt. Das war 1942 in einem amerikanischen Mainstream-Comicheft. Mit einer Frau als Protagonistin.

Man muss kurz innehalten, um zu begreifen, wie ungeheuerlich das war.

Wonder Woman erschien erstmals in All Star Comics #8 im Oktober 1941, knapp einen Monat vor dem Angriff auf Pearl Harbor. Ab Frühjahr 1942 erhielt die Figur dann ihre eigene Serie. Ihr Schöpfer war William Moulton Marston, ein Psychologe, Erfinder des ersten brauchbaren Lügendetektors, Harvard-Absolvent und promovierter Jurist. Er schrieb die Comics unter dem Pseudonym Charles Moulton. Der Name war eine Mischung aus seinem eigenen mittleren Vornamen und dem seines Verlegers Maxwell Charles Gaines, dem Gründer von All-American Comics, dem Vorläufer von DC. Gaines hatte Marston auf Empfehlung der damaligen Bildungsberaterin Olive Richard engagiert. Wie sich herausstellte, war Olive Richard eine seiner beiden Lebensgefährtinnen.

Marstons ungewöhnliches Privatleben

William Moulton Marston lebte in einer offenen Dreiecksbeziehung mit seiner Ehefrau Elizabeth Holloway Marston und der Psychologie-Studentin Olive Byrne, der Nichte der Frauenrechtlerin Margaret Sanger. Beide Frauen hatten Kinder mit ihm. Elizabeth und Olive lebten nach Marstons Tod 1947 noch jahrzehntelang zusammen. Beide inspirierten Wonder Woman maßgeblich: Elizabeth durch Intelligenz und Stärke, Olive durch ihre Armbänder, die der Figur als Vorbild für die legendären „Bracelets of Submission“ dienten.

Marston war alles andere als ein gewöhnlicher Autor. Er hatte eine dezidierte pädagogische und nehezumessianische Überzeugung. Seiner Meinung nach würde die Welt in etwa tausend Jahren von Frauen regiert werden, was er als das Beste betrachtete, was ihr passieren könnte. Frauen verbänden laut seiner Theorie Stärke mit Liebe und Mitgefühl auf eine Art, die Männern schlicht nicht möglich sei. Wonder Woman war für ihn der literarische Beweis dieser Idee, die inzwischen zunehmend an Gewicht gewinnt.

Die seltsamste Ursprungsgeschichte des Goldenen Zeitalters

Die Figur besitzt eine selbst für Comic-Verhältnisse außergewöhnlich komplexe Herkunftsgeschichte. Diana ist die Prinzessin der Amazonen auf Paradise Island (Themyscira), einer verborgenen Insel, die von Frauen bewohnt wird. Sie haben sich aus der von Männern dominierten Welt zurückgezogen, um in Frieden und Selbständigkeit zu leben. Ihre Mutter Hippolyta formte sie ursprünglich aus Ton, und die Götter hauchten ihr Leben ein. Zumindest in der Ursprungsversion. Spätere Neuinterpretationen, insbesondere die in den 1980er-Jahren von George Pérez geschaffene und mittlerweile weitgehend kanonische Version, legten jedoch Zeus als ihren Vater fest. Dies verlieh der Geschichte zwar mehr Dramatik, entfernte sie aber zugleich von ihrem ursprünglichen subversiven Ansatz.

Die Handlung nimmt Fahrt auf, als der amerikanische Pilot Steve Trevor auf Paradise Island abstürzt und gerettet werden muss. Um ihn sicher in die Welt der Menschen zurückzubringen und den Alliierten im Zweiten Weltkrieg beizustehen, verlässt Diana ihre Heimat. Dabei nimmt sie die Tarnidentität der Krankenschwester Diana Prince an – eine Rolle, deren Alltäglichkeit im Kontrast zu ihrem auffälligen Sternenbanner-Outfit beinahe humorvoll wirkt.

In den frühen Comics entwickelte William Moulton Marston anschließend ein freudianisch aufgeladenes Universum, das von Symbolik rund um Fesselung, Unterwerfung und psychologische Machtkämpfe durchzogen war. Kaum eine Ausgabe kam ohne Szenen aus, in denen Figuren – oft Wonder Woman selbst – gefesselt, angekettet oder anderweitig in ihrer Bewegungsfreiheit eingeschränkt waren. Der Zeichner H. G. Peter setzte diese Szenen mit einer Präzision um, bei der modernen Lesern schwindelig wird. Sowohl der Herausgeber von DC Comics, Sheldon Mayer, als auch die Branchen-Ethikkommission waren wiederholt alarmiert. Marston erklärte ihnen geduldig wie kleinen Kindern, dass all dies alles symbolisch gemeint sei, eine Metapher für die psychologische Befreiung von emotionalen Zwängen.

Ob ihm dies tatsächlich abgenommen wurde, bleibt ungewiss. Die Historikerin Jill Lepore, die 2014 die richtungsweisende Biografie The Secret History of Wonder Woman veröffentlichte, kommt zu dem Schluss, dass Marstons spezifische Vorlieben und seine feministische Ideologie untrennbar miteinander verknüpft waren. Eines ohne das andere zu verstehen sei schlichtweg unmöglich.

Das Lasso der Wahrheit

Die bekannteste Erfindung von Marston war der Lügendetektor, was die Entstehung von Wonder Womans Lasso der Wahrheit keine reine Zufälligkeit sein lässt. Das „Lasso der Wahrheit“ zwingt jeden, der darin gefangen ist, zur Ehrlichkeit – eine direkte Verbindung zwischen Marstons wissenschaftlicher Leidenschaft und der fantastischen Welt der Comicfigur. Ursprünglich wurde das goldene Lasso aus dem Gürtel der Göttin Gaia geschmiedet, was es unzerstörbar machte.

Nach Marstons Tod: Jahre des Vergessens und der Wiederentdeckung

Als Marston 1947 an Krebs verstarb, verlor Wonder Woman nicht nur ihren wichtigsten Fürsprecher, sondern auch die prägnanten Merkmale, die sie auszeichneten. Der Autor Robert Kanigher übernahm die Geschichten und verwandelte sie in eine romantisierte Heldin, deren größter Wunsch es war, Steve Trevor zu heiraten. Ihre Abenteuer wurden alltäglicher und weniger ambitioniert – das Feuer des Goldenen Zeitalters war erloschen.

Die 1960er-Jahre brachten für Wonder Woman eine ganz eigene Identitätskrise mit sich. Im Zuge der umfassenden Neuausrichtung vieler DC-Charaktere verlor die Amazonenprinzessin ihre übermenschlichen Kräfte – und, man mag es kaum glauben, wurde zur Betreiberin einer Modeboutique. Was als ein moderner, zeitgemäßer Emma-Peel-Moment für das Silberne Zeitalter gedacht war, entwickelte sich zu einem der größten Irrwege in der Geschichte des Comics. Der Schock war groß, besonders bei Feministinnen wie Gloria Steinem. So groß, dass sie 1972 keine geringeren Maßnahmen ergriff, als Wonder Woman im ikonischen Originalkostüm auf das Cover der allerersten Ausgabe des Ms. Magazine zu setzen. Mit dieser symbolischen Geste sollte die Superheldin rehabilitiert werden: eine deutliche Botschaft, dass sie zur feministischen Bewegung gehört und nicht in eine Boutique.

Die wahre Rettung von Diana Prince folgte jedoch erst 1987, durch die geniale Neuinterpretation von George Pérez nach Crisis on Infinite Earths. Pérez hauchte der Figur neues Leben ein, indem er sie tief in der griechischen Mythologie verwurzelte und ihr mit Themyscira – dem überarbeiteten Paradise Island – eine faszinierende politische und kulturelle Identität gab. Gleichzeitig verlieh er Wonder Woman eine Würde und Tiefe, wie sie seit den Tagen ihres Schöpfers William Moulton Marston nicht mehr gesehen worden waren. Zum ersten Mal in Jahrzehnten folgte die Serie einer durchdachten künstlerischen Vision, die sich nicht für ihre Protagonistin rechtfertigen musste.

Im Verlauf der folgenden Jahre gab es weitere bemerkenswerte Phasen: die eleganten Zeichnungen von Phil Jimenez in den frühen 2000ern, Greg Ruckas kluge und packende politische Geschichten oder Gail Simones emotionaler Scharfsinn. Diese kreativen Meilensteine zeigten immer wieder, wofür Wonder Woman steht: für Stärke durch Mitgefühl, nicht anstelle davon. Dies bleibt das Herzstück von Marstons Vermächtnis, unabhängig davon, wie man zu den Eigenheiten seines Lebens stehen mag.

Was die Figur wirklich besonders macht

Man könnte denken, Wonder Woman sei lediglich die weibliche Entsprechung zu Superman oder Batman. Doch das ist ein hartnäckiges Missverständnis. Superman verkörpert den Immigranten, der Amerika liebt. Batman ist der traumatisierte Milliardär, der die Dunkelheit mit seiner eigenen Dunkelheit bekämpft. Wonder Woman hingegen stammt aus einer fremden Kultur, die sie für überlegen hält, und dennoch entscheidet sie sich freiwillig, der Menschheit zu helfen.

Gerade das macht sie aus einer philosophischen Perspektive spannender als viele ihrer Kollegen. Sie ist keine gebrochene Figur, die durch heldenhafte Taten nach Heilung sucht. Ihre Motivation entspringt der Stärke und Unversehrtheit. Anstelle mit Zorn und Gewalt vorzugehen, nutzt sie ihr Lasso der Wahrheit. Sie tötet nur im äußersten Notfall, und selbst dann trägt sie die moralische Bürde dieser Entscheidung sichtbar mit sich.

Die Armbänder, die sie trägt – im Original „Bracelets of Submission“ – gehören zu den denkwürdigsten Symbolen der Comicwelt. Ursprünglich von den Göttern auferlegt, dienen sie den Amazonen als Mahnmal ihrer früheren Versklavung. Gleichzeitig sind sie eine unzerstörbare Schutzwaffe. In manchen Erzählungen verliert Wonder Woman ihre Selbstkontrolle, wenn sie die Armbänder ablegt, und wird unberechenbar. Freiheit ohne Begrenzung wird dann zur Gefahr, was eine ganz andere Art von Gefangenschaft ist. Marstons psychologischer Hintergrund zeigt sich deutlich in solchen Details.